понедельник, 31 октября 2016 г.

Spiral "Amae" (2016)

В начале 2016 года участники плодовитого экспериментального трио SPIRAL – Chris Boat и Bill Hatfield – по причине занятости своего третьего коллеги Aaron Frale решили записать что-то в рамках своего сайд-проекта AMAE, который существует с 2014 года.

Spiral

В первых числах октября с.г., скомпоновав записанное в 48-минутный альбом из 6 композиций и посоветовавшись с отсутствовавшим другом-партнером, работу решили все же обнародовать как альбом “Amae” под именем SPIRAL.



Записан этот «сай-фай» опус в составе трио: Chris Boat (клавишные, вокал), который является со-учредителем SPIRAL; Bill Hatfield (гитара, бас), который в группу влился году в 2014-ом; и Scott Bryan (вокал), который, насколько мне известно, прежде в записях группы участия не принимал. А альбомов у SPIRAL, которые дебютировали в 2010-ом как мульти-инструментальный дуэт Chris Boat и Aaron Frale, уже немало. Добрая дюжина полноформатов, выпущенных на самиздатовских CD-R, не считая многочисленных «внеальбомных» миньонов: “The Death of Billy Jensen” (2010), “Citizen” (2010), “Machine” (2011), “The Capital in Ruins” (2011), “Your Kindness Let a Monster In” (2011), “The Traveller” (2012), “Mind Trip in A Minor” (2012), “Live on Matijevic Hill” (2013), “A Parasite’s Guide to Rewriting History” (2013), “Our Final Days On Bellicus Prime” (2014), “Joy’s Egg” (2015) и “Centaurus A” (2016).

Spiral circa 2010
Музыку SPIRAL классифицировать достаточно сложно. Условно – это видоизменяющаяся от альбома к альбому «внежанровая» электро-акустика на пересечении экспериментальной электроники, психоделии, прогрессива и индастриал-метал, оформленная в драматургическо-концептуальные альбомы в эстетике «фэнтази-фикшен». Гитары, клавишные и струнные исполняются и записываются традиционно; ударные программируются, но весьма искусно, так что от традиционных барабанов и перкуссий их порой и не отличить; общий музыкальный контекст дополнительно текстурируется всевозможными электронными эффектами и сэмплами. Вокально-лирическая часть на альбомах группы, как правило, имеет принципиально важное значение: по большому счету все записи SPIRAL – это своеобразные «радио-спектакли», в которых инструментальное сопровождение является своеобразной «театральной декорацией», которая меняется в зависимости от сюжетного содержания конкретной сцены.

Chris Boat
Кстати, в самом начале года SPIRAL в составе Chris Boat (клавишные, бас, гитара, вокал), Aaron Frale (гитара, вокал), Bill Hatfield (гитара, бас, клавишные) и Senda Linaugh (вокал) представляли свой очередной фикшен-опус “Centaurus A” – титанический многочастный 58-минутный эпик без пауз и антрактов, главным действующим лицом которого оказывается женщина-астронавт, последняя из экипажа затерянного в космосе звездолета. Поклонникам циклической синт-электроники «берлинской школы», спэйс-рока, индастриал-рока, спэйс-эйджа и эмбиента очень стоит послушать… если всплывающие в контексте по большей части инструментального альбома искаженные скримо-вокализации, характерные для работ SPIRAL последних лет, вас не смущают.



Но вернемся, однако, к AMAE или к альбому “Amae”, который причислен к дискографии SPIRAL. «Причислен», в общем-то, вполне обосновано. Поскольку и в смысле специфики авторского понимания «сай-фай» тематики, и с точки зрения воплощения этого авторского понимания в конкретные музыкально-художественные формы – SPIRAL и AMAE очень и очень близки. Отличия, конечно, имеются. И если сравнивать, например, релизы этого года, т.е. “Centaurus A” и “Amae” – то различия эти окажутся достаточно очевидны. При всем «гибридном» характере музыки обоих альбомов, “Amae” – запись, если угодно, более «рОковая», более приближенная к стилистике традиционного спэйс-рока (где-то между Pink Floyd и Hawkwind). Элементы спэйс-эйджа, синт-краут-электроники и эмбиента в музыкальном контексте используются, но акцент смещен в сторону моторного ритм-грува и гитарного хэви-риффажа.

Bill Hatfield
На мой индивидуальный вкус – программированные ритм-паттерны композиций звучат чрезмерно резко и искусственно – я предпочитаю звучание ударных либо в органике, либо с соответствующей обработкой саунда «под-органику». Но сие, безусловно, «вкусовщина»… как и восприятие вокалов, которые используют и SPIRAL, и AMAE… Главное в другом – на альбомах обоих проектов всегда есть что послушать, помимо синт-программированной ритмики и постановочно-драматизированных голосов, и есть чему поучиться. Chris Boat, Aaron Frale и Bill Hatfield – три главных действующих лица в обоих проектах обладают очень интересным и самобытным пониманием звука и принципов его размещения в акустическом пространстве. Этому их авторскому дару я не перестаю удивляться с тех пор, как впервые услышал записи коллектива пять лет назад (это был дарк-экспериментальный, почти синт-готический альбом “Machine”).

Aaron Frale

Так что, альбом “Amae” я послушал с вниманием и интересом – и ничуть не разочаровался. Особо впечатлен заключительным 22-минутным эпиком “Those Left Behind”. С него, кстати, – поскольку сам альбом в меньшей степени подчинен драматургической фабуле, чем, скажем, январский “Centaurus A” – и стоит, возможно, начать знакомство с альбомом. Если заинтригует, то тогда уж стоит переслушать альбом в совокупности всех треков.

Слушать/скачивать на Bandcamp | SPIRAL на Facebook

суббота, 29 октября 2016 г.

Indiviα "Horta" (2016)

Получившуюся неделю обзоров новинок инструментальной рок-музыки завершим анонсом второго альбома итальянского пауэр-трио INDIVIA из венецианского города Падуя.

Indivia

Группа в составе Andrea Missagia (гитара), Nathalie Antonello (барабаны) и Diego Loreggian (бас) сложилась в 2014 году и первое время выступала под названием WEDGE. Тогда и был сделан дебютный 4-трековый EP “Belladonna”. 6 новых инструментальных композиций были записаны в конце 2015-ого, спродюсированы и объединены в 33-минутный альбом “Horta” (2016), выпустить который взялся итальянский рекорд-лейбл Argonauta Records.



INDIVIA специализируются на ортодоксальном стоунер-дум метал – субжанре, скажем прямо, не самом выразительном даже при наличии вокала. Ну а уж реализовать свои мрачные творческие замыслы в полностью инструментальных формах стоунер-дума, пусть даже и с психоделическим оттенком – это задача очень сложная… На дебютном EP трио, помнится, использовала для пущей красочности какие-то нарративные сэмплы из старых кино-хорроров. На “Horta” этот прием применен лишь раз. Своими приоритетными задачами авторы считают «создание особой гипнотической ауры» и «возведение монолитной стены звука посредством обширных фузз-ревербераций». Если рассматривать альбом с позиции этих установок, то у INDIVIA все, в общем-то, получилось.

Indivia

Но если вы от инструментальной хэви-музыки – тем более, в исполнении артистичных по природе своей итальянцев – ждете какой-то особой драматической выразительности и вкусной художественной интриги, то “Horta” вас едва ли удовлетворит. Иначе говоря – альбом сугубо для убежденных фанатов грязного и жирного рифф-н-фузз, у которого, как у Девочки из «игропрестольного» сериала, «нет имени».

Indivia

Слушать/скачивать на Bandcamp | INDIVIA на Facebook

пятница, 28 октября 2016 г.

Vercors "I" (2016)

VERCORS – новая инструментальная группа из Франции.

Vercors

Учрежден коллектив в 2014 году в Гренобле. В составе играют участники местных групп (Bud Spencer's Clout, General Cluster, Los Putos Gabachos и EDF) – некто Ben (ударные), Rico (бас), Ju (гитара) и Romain (гитара). В октябре сего года квартет записал и выпустил на CD-R свой дебютный 23-минутный EP “I” из 5 композиций.



Музыка VERCORS полностью инструментальна, стилистически попадает в категорию экспериментал-рок, или пост-прог, или гитарный «пост-рок/метал». Французский квартет предпочтение отдает эдаким боевитым и напористым формам музицирования, которые более характерны для исполнителей мэт-рок и мэт-кор-метал лагерей. Хотя традиционных драматических тремолло и душещипательных арпеджиотур в контексте миньона тоже предостаточно.

Vercors

Уникальными мелодико-гармоническими находками или инновационными композиционно-аранжировочными решениями дебют VERCORS не отличается. Но слушается он не хуже прочих альбомов и альбомчиков из разряда «пост-». Поэтому, если новые имена в этом субжанре вас интересуют, берите на заметку.

Слушать/скачивать на Bandcamp | VERCORS на Facebook

четверг, 27 октября 2016 г.

Kylver "The Island" (2016)

Продолжаем излюбленную тему современной инструментальной рок-музыки… 6 октября с.г. свой второй альбом под названием “The Island” представила публике британская инструментальная прог-группа KYLVER (произносится «кил-вер») из города Ньюкасл-апон-Тайн.

Kylver

KYLVER был учрежден в 2014 году опытными и сложившимися музыкантами: James Bowmaker (бас), Barry Mitcheson (ударные), Jonny Scott (гитара) и Neil Elliott (хаммонд-орган, клавишные). Весной 2015-ого квартет дебютировал с отличным концептуальным альбомом “The Mountain Ghost”: снискал признание на родине (группа даже номинировалась на получение британской Progressive Music Awards в категории «дебютант года»), но в международном сообществе остался практически неизвестен. И вот, второй альбом: выпущен, как и дебют, малым тиражом CD-R, включает 5 композиций общей продолжительностью 42 минуты.



“The Island” – тоже концептуальный альбом. Это рассказ о странной судьбе единственного спасшегося после кораблекрушении мореплавателя: его корабль был отправлен на поиски таинственного острова, на котором якобы расположен портал в иные миры-измерения; судно терпит крушение во время шторма, а моряк оказывается выброшенным на берег того самого острова, на поиски которого и был отправлен; более того, на странных прибрежных сооружениях он обнаруживает зашифрованную карту, на которой обозначен путь к вожделенному порталу; моряку ничего не остается, как двинуться через остров к порталу, причем в сопровождении подвернувшейся по дороге туземной красотки. В конце путешествия моряка встречают Хранители портала – представители загадочной Великой Расы, и ему вроде бы удается с ними в итоге договорится. Они стирают ему память и отправляют домой… Но, как выяснилось, моряк возвращается в порт буквально в момент отплытия своего корабля; его судно вновь попадает в шторм и терпит крушение, а моряк вновь приходит в себя на песчаном берегу загадочного острова, вновь следует по карте к порталу, вновь встречает Хранителей, и те вновь отправляют его домой в канун отплытия экспедиции… История повторяется вновь и вновь, и конца ей не предвидится…

Kylver

Загадочная и трагическая, в общем, повесть. Ну а своеобразным саунд-треком к ней звучит воистину бесподобный инструментальный эпик-прог-метал – с мощным грувом, омываемым зловещими розливами винтажного Хаммонд-органа и содрагающимся под свирепыми шквалами брутального гитарного риффажа. Саунд KYLVER не лишен благородной патины десятилетий, но ретро-прогом в буквальном смысле музыка квартета не является. Это скорее современная хэви-интерпретация классической традиции арт-прог-рок музыки 70-х, причем в совокупности многих трендовых влияний: от эпик-дум-метал до эмбиент-метал (в числе ключевых влияний участники группы называют Electric Hawk, Yes, Zebulon Pike, Mastodon, Baroness, Melvins, Rush, Russian Circles, Earth, Tool, Year Of No Light, Red Fang…).

Kylver

Музыка квартета очень плотно текстурирована, жестко структурирована и драматургически мотивирована. Играют музыканты технично, артистично, напористо и выразительно. Но изложение без нужды не усложняют, в запутанные композиционные лабиринты слушателя не уводят – дают ему время услышать и прочувствовать суровую красоту построений, а также сполна вкусить фатального предчувствия далеко не самого счастливого финала.

Kylver

“The Island” – настоящий подарок для тех, кто любит хэви-прог с обилием хаммонд-пассажей. И вместе с тем, сугубо «клавишно-ориентированным» я бы альбом не назвал. У музыки KYLVER три значимых и равновеликих начала – ритм-грувовое, рифф-гитарное и драматическо-клавишное. Отличный альбом – любителям инструментальной хэви-прогрессивной музыки рекомендуется однозначно!

Слушать/скачивать на Bandcamp | KYLVER на Facebook

среда, 26 октября 2016 г.

Grimény "Die große Enttäuschung" (2016)

Еще одна новая немецкая группа, тоже инструментальная – это трио GRIMÉNY из Берлина.

Grimény

Создана группа в сентябре 2014 года, а в октябре этого года дебютировала с альбомом “Die große Enttäuschung” (или «Великое разочарование»), который выпущен в цифре и на магнитофонных кассетах нью-йоркским независимым экспериментальным лейблом Already Dead Tapes & Records: 11 композиций, 56 минут звучания.



Записано в составе Falk Meutzner (гитары), Nico Vetter (бас) и Torsten Lang (барабаны, синтезатор, саксофон) при участии чтецов-декламаторов: Carel Struycken (известный голландский киноактер, игравший Гиганта в сериале «Твин Пикс» и Ларча-дворецкого в «Семейке Аддамс»), Larissa Blau и Maria la Portuguesa. Спродюсировано усилиями Nico Vetter и Torsten Lang. В смысле художественной эстетики музыка GRIMÉNY тесно связана с наследием американских экспериментал-рок, мэт-рок и пост-прог-рок групп 90-х годов, типа Tortoise, Trans Am, Don Caballero и иже с ними.

Grimény

Сами музыканты заявляют, что ключевое влияние на их творчество оказали «книги Герберта Джорджа Уэллса», а посвящено оно «разочарованиям, неоправдавшимся ожиданиям и рухнувшим надеждам». Однако GRIMÉNY – это отнюдь не еще одни погрузившиеся в меланхолию, непонятые, чувствительные и легко ранимые натуры… это «подпольная ячейка» довольно иронично и саркастично настроенных индивидов. А их дебютный опус “Die große Enttäuschung” – это весьма нетривиальная аудио-постановка с явно выраженным «синематическим» характером. Формат изложения полностью инструментальный, но в контексте альбома неоднократно появляются сэмплированные нарративы-монологи, будто от лица персонажа, портрет которого в своей музыке живописуют музыканты. Точнее, живописуют они даже не портреты, а ситуативно-драматические сцены – принципиальные для понимания причины разочарования того или иного персонажа.

Чем дольше слушаешь, тем интереснее становится музыка. GRIMÉNY экспериментируют с электроникой и джазом, увлекательно изничтожают стилеформирующие нормы и в какой-то момент выходят на очень высокий уровень креативного эклектизма и внежанрового прогрессивизма. В совокупности всех номеров альбом выстраивается в очень интересное и действительно оригинальное действо, но вторая его половина захватывает и интригует особо. Никаких сомнений в том, что отдав должную дань уважения авторитетам прошлых лет и спрятав улыбку, GRIMÉNY приступают к исполнению очень серьезной, самобытной и авангардно-прогрессивной инструментальной музыки, лично у меня после прослушивания не остается.

Grimény

GRIMÉNY обладают очень специфическим индивидуальным подходом к решению творческих задач. И своей музыкой говорят гораздо больше, чем можно отразить в рецензиях и интервью. Конечно, “Die große Enttäuschung” – это работа из категории «очень не для всех», при том что какие-то ее отдельные фрагменты, вырванные из контекста, могут звучать и игриво, и развлекательно. Поклонникам «новой волны экспериментального прог-рока» рекомендуется в первую очередь и всенепременно!

Слушать/скачивать на Bandcamp | GRIMÉNY на Facebook

вторник, 25 октября 2016 г.

Malstatt "Malstatt" (2016)

Вам по душе инструментальный авант-фьюжн причудливых форм и содержаний? В таком случае запомните название MALSTATT. С конца прошлого года это уже не только название исторического района в городе Саарбрюккен, столицы земли Саар, но и название недавно образовавшегося в этом городе инструментального трио. Гитара, бас-гитара, ударные – имена исполнителей пока не афишируются. Хотя лиц своих молодые музыканты от публики не прячут…

Malstatt

В первых числах октября у MALSTATT вышел дебютный одноименный 62-минутный альбом из 5 композиций. Музыка трио отлично вписывается в категорию «авант-фьюжн», хотя сами авторы придумали ей более оригинальный ярлычок – «стоунд-боп».



Догадываюсь, что подобная самоидентификация обусловлена страстью музыкантов к «би-боп джазу» (стилю, сложившемуся в 40-х годах и ознаменовавшему смещение в джазе того времени акцентов от развлекательно-танцевальной музыки, построенной на мелодических вариациях, к ритм-импровизационной музыке, основанной на обыгрывании гармонических последовательностей аккордов) и к стоунер-метал (стилю хэви-музыки рубежа 80-90х, в основе которого лежит репититивная техника обыгрывания рифф-фигур в сильно искаженном звуке, придающем музыке психоделический оттенок). К слову, заключительный номер “Drehmoment” на альбоме – это интерпретация композиции 2010 года известной немецкой инструментальной группы RoToR из Берлина (с альбома “Rotor – 4”).

Прослушав альбом несколько раз, я пришел к заключению, что MALSTATT все же ближе к «джазовой» традиции, нежели к «стоунер-думово-психоделической». В основе своей программы трио исполняет джазовые импровизации – по большей части спокойные, неспешные, вдумчивые. Солист-гитарист очень хорош, и плести причудливо-витиеватые узоры ему явно нравится больше, чем заниматься ожесточенным рифф-структурированием и фузз-искажением звука. Бас-гитарист, играющий массивно и акцентированно, и барабанщик, изумительно чуткий и гибкий, своему солисту ассистируют со всей солидностью академической грамотности – но не отстраненно-холодно, а с чувственной вовлеченностью, которую проницательный слушатель не оценить просто не сможет.

Malstatt

Я бы сказал, что MALSTATT создали просто отличный альбом. И музыка у трио действительно самобытна: она авангардна по сути своей, но совершенно не напрягает и не обижает подсознание. Более того, ее можно не только смаковать-расслушивать – что, не сомневаюсь, истинные гурманы-аудиофилы и будут делать – но и слушать фоном для совершенно не-аудиофильских занятий. При этом никакой приторной «лаунжевости», столь характерной для современной фоновой музыки, или гламурно-снобистской «салонной элитарности», которыми в наше время отличает «профи-джаз» – в ней и впомине нет. Однозначно рекомендую!

Слушать/скачивать на Bandcamp | MALSTATT на Facebook

понедельник, 24 октября 2016 г.

Stranger In My Town "Vol I" (2016)

Знакомьтесь с итальянским инструментальным рок-комбо STRANGER IN MY TOWN из коммуны Лекко региона Ломбардия.

Stranger In My Town

Группа была создана в 2014 году – первоначально как трио. В конце 2015-ого к Allan Pigliacampo (гитара), Marco Munari (бас) и Enrico Sperone (барабаны) присоединился Isacco Frigerio (гитара), что, как утверждают музыканты, повлияло на их творчество самым серьезным образом. В конце сентября с.г. STRANGER IN MY TOWN представили свой дебютный 34-минутный альбом “Vol I” из 6 инструментальных пьес.



О своей музыке музыканты говорят примерно так: «Рифф, веселье, динамика, психоделия и массивный звук, рождающий ассоциации с пустыней». По факту STRANGER IN MY TOWN играют инструментальный хард-н-хэви: жильные гитарные риффы, мощная грувовая моторика и элементарные мелодические рисунки, разложенные на две гитары. Жесткие риффовые атаки квартет оттеняет более мягкими и разреженными пассами, исполненными в атмосферно-синематическом дезерт-роковом ключе. «Веселой» я бы эту музыку точно не назвал – скорее уж «мужественно-брутальной», «героико-романтической» и отчасти «пасмурно-настроенческой». Хотя заключительный трек “Air” от основного альбомного массива отличается: музыканты явно пробуют себя в стилистике эдакого «оптимистично-боевитого» альтернатив-инди-рока…

Stranger In My Town

Музыка STRANGER IN MY TOWN вполне образна и выразительна. Проблема в том, что образный ряд, используемый авторами, уж очень расхож, а потому едва ли оригинален. Впрочем, это дебют. И в своем роде он вполне ровный и крепкий. Надеюсь, что продолжение будет, и в нем группа свой потенциал сумеет раскрыть наилучшим образом.

Слушать/скачивать на Bandcamp | STRANGER IN MY TOWN на Facebook

суббота, 22 октября 2016 г.

Baby Woodrose "Freedom" (2016)

Новым альбомом одарила наконец-то поклонников культовая группа датской хэви-психоделической сцены BABY WOODROSE.

Baby Woodrose

Альбом “Freedom”, выпущенный лейблом Bad Afro Records, менее чем за месяц разошелся в количестве около 4 тыс. экземпляров. Песни с него ротируются всеми независимыми радиостанциями, и релиз уверенно держится в специализированных независимых чартах дум, стоунер и хэви-психоделической музыки.



Напомню, что группа BABY WOODROSE (названа в честь растения Argyreia Nervosa, обладающего галлюциногенными свойствами и также известного под названием Hawaiian Baby Woodrose) была создана в Копенгагене в 2001 году Uffe Lorenzen (позже Lorenzo Woodrose) – сонг-райтером и барабанщиком не менее культовой датской группы, ON TRIAL. Дебютный альбом “Blows Your Mind” (2001, Pan Records; переиздан в 2002-ом испанским лейблом Animal Records) был записан музыкантом в одиночку. В 2003-ем проект был преобразован в концертирующее пауэр-трио: Lorenzo Woodrose подписал долгосрочный контракт с Bad Afro Records, на котором еще раз переизал дебют и выпустил второй альбом “Money For Soul”, ставший для новой группы настоящим национальным прорывом. Именно в этот момент Lorenzo Woodrose покинул ON TRIAL, в составе которой проиграл семнадцать лет.

Lorenzo Woodrose

С того времени BABY WOODROSE в различных вариациях состава осуществили в общей сложности несколько десятков релизов: 8 студийных альбомов (“Blows Your Mind”, 2001; “Money For Soul”, 2003; “Love Comes Down”, 2006; “Chasing Rainbows”, 2007; “Baby Woodrose”, 2009; “Mindblowing Seeds And Disconnected Flowers”, 2011 и “Third Eye Surgery”, 2012), альбом каверов (“Dropout!”, 2004), концертный альбом (“Live at Gutter Island”, 2003) и множество синглов, сплитов и бутлегов. Кроме того, Lorenzo Woodrose затеял несколько сайд-проектов, в частности DRAGONTEARS и THE SETTING SON, а также реанимировал свою старую спин-офф группу SPIDS NØGENHAT.

Baby Woodrose

То есть 4-летнее отсутствие BABY WOODROSE совершенно не означает, что лидер группы бездельничал – к слову, за это время он успел получить два датских «грэмми» за альбом “Kommer Med Fred” (2013) cо своей группой SPIDS NØGENHAT («Лучший рок-альбом года» и «Лучшая концертирующая группа года»). Однако историю BABY WOODROSE мэтр датской рок-музыки закрывать отнюдь не собирается.

Baby Woodrose

На сессиях альбома “Freedom” состав группы выглядел следующим образом: Lorenzo Woodrose (вокал, гитара), Hans Beck (барабаны), Mads Saaby (гитара), Kåre Joensen (бас) и Anders Skjødt (орган). В одном из интервью лидер коллектива поведал, что записать новый альбом, посвященный проблеме «рабства и рабов в современном обществе», его вдохновила песня “Freedom”, версия госпела, которую в 1969 году исполнил на открытии легендарного Вудстока американский фолкер Richie Havens. Под «рабством» в данном случае подразумевается не только физическое угнетение, но подавление личности в моральном смысле, контроль властей за состоянием умов, промывание мозгов и прочее одурманивание общественности… И кстати, на альбоме, помимо титульной “Freedom”, присутствует еще один кавер – версия песни 1968 года “Red The Sign Post” американской психоделической группы Fifty Foot Hose. Все прочие номера – это авторское сонг-райтерство Lorenzo Woodrose.

Baby Woodrose

А всего песен на альбоме 9 общей продолжительностью 37 минут. С точки зрения художественной эстетики – это типичный «вудроузовский» хэви-психо-рок с корнями в «детройтском» эйсид-гараж-роке, традиционалистском «хоуквиндском» спэйс-роке и «монстер-магнетическом» стоунер-спэйс-роке. Конечно, различия между альбомами BABY WOODROSE разных творческих этапов существуют, но на мой взгляд, они не столь принципиальны, как считают некоторые обозреватели. Многие сонг-райтерские приемы и аранжировочные решения на “Freedom” абсолютно узнаваемы, и при желании аналогии с записями прошлых лет – особенно с предшествующим альбомом четырехгодичной давности “Third Eye Surgery” – провести очень даже возможно.

Baby Woodrose

Вот чего на новом альбоме нет, так это милой неряшливости и разгульной задиристости ранних записей, особенно сделанных в одиночку. Новые песни не утратили своей социальной заряженности и остроты, моторно-грувовая динамика музыки ничуть не ослабла, а вокал Lorenzo Woodrose по-прежнему эмоционален, драматически надрывен и харизматичен… но все сделано все отнюдь не на «порыве», а на высочайшем профессиональном уровне сочинительства, исполнительства и продюсирования. И это вполне естественно, учитывая и годы, и опыт, и статус того, кто стоит у руля BABY WOODROSE.

Baby Woodrose

Альбом не поражает какой-то инновационностью композиционно-аранжировочных решений и не претендует на популярную песенную шлягерность, но берет свое за счет какой-то невероятной энергетики музыки. Слушаешь “Freedom” и понимаешь, что Рок никак не мертв, а Свобода она начинается с внутреннего высвобождения… а уже потом все остальное. Так что, рекомендую. BABY WOODROSE снова в деле и зажечь сердца умеют, как никто другой!


Слушать/скачивать на Bandcamp | BABY WOODROSE на Facebook

пятница, 21 октября 2016 г.

Los Asteroide "Trotamundos" (2016)

В первый день октября свой новый альбом представило публике замечательное аргентинское инструментальное пауэр-трио LOS ASTEROIDE из города Итузаинго в провинции Буэнос-Айрес.

Los Asteroide

“Trotamundos” – это уже четвертый релиз в дискографии LOS ASTEROIDE. Гитарист Lucas Vecchio, бас-гитарист Mariano Cerbasi и барабанщик Alan Mikkelsen дебютировали в 2012 году с 33-минутным одноименным демо-EP. В следующем году трио выпустило отличный одноименный 44-минутный LP-альбом; в 2015-ом – концертный альбом “En Vivo: Niceto Club”. И вот, пришло время второго студийного LP-альбома, который включает 9 композиций и продолжается 38 минут.



“Trotamundos” записан в ноябре прошлого года, на двухдневной сессии в студии Romaphonic. Трио помогали приглашенные музыканты: Mauro Cardozo сыграл партии клавишных в трех композициях, Wally Gomez добавил перкуссии в одной. Процесс продюсирования занял несколько месяцев, но поклонники хэви-психоделии и стоунер-эйсид-рока в результате получили именно ту музыку, что заставляет кровь в их венах закипать, а тело биться в невообразимых конвульсиях радости.

Los Asteroide

LOS ASTEROIDE исключительно грамотно поддерживают композиционно-импровизационный баланс, изящно чередуют динамичные и жесткие хэви-риффовые фрагменты с хрупкими, атмосферными и расслабленными психоделическими трип-медитациями. При этом степень стилистической эклектики в их инструментальных пьесах достаточно высока: создавая свой индивидуальный стиль, трио активно использует приемы и элементы эйсид-рока, классик-хард-рока, стоунер-дезерт-рока, экспериментал-психоделии, прогрессива и фьюжн.

Los Asteroide

Классический 3-5 минутный «рок-песенный» формат – по-прежнему излюбленная форма инструментального творчества LOS ASTEROIDE. Играют музыканты четко, технично, обдуманно, но джемовать и импровизировать умеют. И когда того требует художественный замысел, композиционную структуру номера они раскрывают и разворачивают в многоминутном хронометраже абсолютно органично и непринужденно. “Trotamundos”, как, впрочем, и предшествующие работы аргентинского коллектива слушается и воспринимается очень легко, несмотря на хэви-роковую природу музыки, довольно затейливое структурирование пьес, некоторое усложнение аранжировок и отсутствие вокала.

Los Asteroide

В общем, альбом очень хороший – с правильной энергетикой и радующим разнообразием решений. Поклонникам инструментальных форм современной рок-музыки рекомендуется всенепременно.

Слушать/скачивать на Bandcamp | LOS ASTEROIDE на Facebook

четверг, 20 октября 2016 г.

Holy Serpent "Temples" (2016)

В последний день сентября на калифорнийском рекорд-лейбле Riding Easy Records в свет вышел новый альбом австралийской стоунер-дум-метал группы HOLY SERPENT из Мельбурна.

Holy Serpent

Альбом называется “Temples”. Включает 5 песен, как и дебют 2014 года (см. заметку), но хронометраж его на этот раз составляет 43 минуты. Выпущено на компакт-дисках и разноцветном виниле.



В составе группы произошли изменения: свой новый опус Scott Penberthy (гитара, вокал), Nick Donoughue (гитара) и Dave Bartlett записывали с новым барабанщиком, место которого занял Lance Leembrugen. Стилистика квартета никаких принципиальных изменений не претерпела – HOLY SERPENT продолжают играть монотонный, низко темповый, психоделичный и очень смурной стоунер-дум-метал. Главная изюминка музыки – вокал в исполнении Scott Penberthy – эдакие высокие, распевные, тонированные психо-эффектами, кафедрально-небесные чанты. Голос несет основную мелодическую и образную нагрузку, но пресловутой «хуковости» в новых песнях группы стало меньше…

Scott Penberthy of Holy Serpent

«Зацепиться» слухом практически не за что. Остается лишь отключить сознание и «ловить волну» на которой дрейфуют HOLY SERPENT. Если поймаете, то “Temples” вас закружит, вознесет к бесконечному Ничто, а потом швырнет со всей высоты в закостеневшее Нечто… ибо почувствовать истинное Блаженство возможно, лишь испытав Боль… Очищение доступно лишь тем, кто закован в Грязь… а Просветление – тем, кто пребывает во Тьме… В общем, эзотерическая и оккультная подоплека альбома очевидна – даже в большей степени, как мне показалось, по сравнению с дебютным альбомом.

Holy Serpent

Под итог – очень сильный, метафизически заряженный альбом. Убежденным адептам эзотерического стоунер-дума рекомендуется безусловно. Непосвященной же публике стоит относиться к подобной музыке с должной осторожностью – лучше начать знакомство с дебютного альбома.

Слушать/скачивать на Bandcamp | HOLY SERPENT на Facebook

среда, 19 октября 2016 г.

WhiteNails "First Trip" (2016)

Еще одни дебютанты канадской хэви-андеграунд-сцены – группа WHITENAILS из Квебек-Сити.

WhiteNails

Шестерых ее участников – Darcy (вокал), Danahé (гитара), Taylor (гитара), JP (бас), Vince (клавишные) и Maxx (барабаны) – совсем недавно вместе свела беззаветная любовь к отцам дум-музыки Black Sabbath. Прошло всего каких-то пару месяцев, а WHITENAILS уже успели сочинить, записать и спродюсировать 5 песен для своего дебютного 22-минутного EP, который назвали “First Trip”.



«Скорострельности» WHITENAILS удивляться не приходится. Легенда гласит, что те же Black Sabbath в далеком 1970-ом свою нетленную вещицу “Paranoid” сочинили, записали и свели минут за двадцать – просто потому, что издатель потребовал от музыкантов «что-то еще минуты на две-три»… А уж когда на Vertigo услышали этот, с позволения сказать, «филлер», то тут же решили оригинальное название альбома (“War Pigs”) поменять на “Paranoid”, а спустя полгода после выхода LP решили даже выпустить эту песню как сингл… Злые языки, правда, утверждают, что Tony Iommi базовый рифф беззастенчиво позаимствовал из песни “Get Down” (1969) американской гараж-рок группы Half Life из Детройта (правда это или нет, но очень похоже… будет настроение сравните – на Youtube есть видео детройтцев).

WhiteNails

Так что, WHITENAILS до известной степени традицию старшего поколения продолжают. Играют они динамичный ап-темповый тради-дум «пост-саббатовской» школы – правда, не в чисто «винтажном», а в более «осовремененном» твин-гитарно-клавишно гармонизированном ключе. Какими-то неуловимыми интонациями и тембрами вокалист порой очень напоминает сиятельного «Оззичку» (особенно на открывающем номере “Damn Judas” и в заключительном “Brazen Bull”), но по ходу альбома аналогия слабеет. К слову, на упомянутом заключительном треке Darcy поет в дуэте с Luc Bourgeois из стоунер-группы группы Sandveiss.

WhiteNails

По итогам прослушивания складывается впечатление, что WHITENAILS пока так и не определились – продолжать ли им свое творчество в духе ретроспективного интерпретирования «саббатовской» традиции, или же искать и нарабатывать собственный индивидуальный стиль. В общем и целом, канадский дум-секстет напоминает уже известных коллег по «пост-саббатовскому» дум-цеху – тех же, скажем, американцев Orchid, или немцев Monolith, или шведов Sabel и т.д. Полюбопытствуйте.

Слушать/скачивать на Bandcamp | WHITENAILS на Facebook

вторник, 18 октября 2016 г.

The Hazytones "The Hazytones" (2016)

Пауэр-трио THE HAZYTONES из Монреаля – дебютанты канадской андеграунд-сцены.

The Hazytones

Mick Martel (гитара, вокал), Frey Coaster (бас, вокал) и Ulrick La Mast (барабаны) вместе собрались в 2015 году и уже успели снискать популярность среди местных поклонников хэви-фузз-рока. Весной этого года THE HAZYTONES представили публике свой первый цифровой сингл “Living On The Edge”, а в последних числах сентября при поддержке лейбла Anachronik Records выпустили и дебютный одноименный 39-минутный альбом из 9 песен (сингл включен).



Играют парни винтажной крепости стоунер-хард-рок на ритм-н-блюзовой основе и с некоторым уклоном в прото-метал конца 70-х. Помимо отличной динамики и убедительного рифф-н-фузза, музыка THE HAZYTONES изобилует мелодическими «хуками» и обладает весьма приличным «хитовым» потенциалом. Особого шарма ей добавляют красивые балладно-лирические проигрыши, неожиданно рождающиеся в структурах брутальных боевиков.

The Hazytones

Mick Martel – интересный и думающий гитарист, да и вокалист он отменный – с харизматической «ржавчинкой» в высоком сильном голосе (на манер молодых Kevin Dubrow и Blackie Lawless). Басист Mick Martel довольно активно участвует вторым голосом в вокальных гармониях, не забывая вместе с барабанщиком Mick Martel обеспечивать мощный ритм-грувовый пульс. В аранжировках иногда слышны созвучия электрооргана, кто играет эти партии – неизвестно.

The Hazytones

В общем, все задумано и исполнено очень здорово – альбом слушается прекрасно. Проходных вещей на нем нет – все песни примерно аналогичного уровня качества. Кто-то из райтеров уже успел сравнить THE HAZYTONES с Graveyard, Ponamero Sundownn, Kamchatka… но я бы сказал, что канадское трио вполне индивидуально и явно намерено двигаться собственным творческим путем. Поклонникам нео-хардрока рекомендую!

The Hazytones

Слушать/скачивать на Bandcamp | THE HAZYTONES на Facebook

понедельник, 17 октября 2016 г.

Dobbeltgjenger "When I've Gone to Space" (2016)

“When I’ve Gone to Space” (или «Когда я ушел в Космос») – так называется дебютный мини-альбом норвежской группы DOBBELTGJENGER из Бергена. И как вы понимаете, оставить без внимания альбом с таким названием я просто не мог.

Dobbeltgjenger

Альбом выпущен в последний день сентября независимым лейблом Bad Vibes Records из того же Бергена – на виниле, CDr и в цифре; включает 6 композиций и продолжается почти 31 минуту.



DOBBELTGJENGER был основан в 2014 году. В составе группы играют: Vegard Wikne (ритм-гитара, вокал; автор всей музыки и текстов), Sondre Veland (ударные, перкуссия), Jakob Sønnesyn (бас) и Knut-Martin Langeland Rasmussen (соло-гитара). Играют прог-психоделик-рок с лирикой на английском языке. И музыку своего дебюта посвящают «необъятным просторам внешнего космоса, где потерянные астронавты готовы встретить неизбежность без милой тверди под ногами, но с миром в душе»… Играют технично, с интересными динамическими подвижками и затейливыми соло. Вокала много – распевного, мелодичного, раскрепощенного, с приятным и неожиданными соул-фанк-фьюжн интонациями. Самая продолжительная на альбоме вещица, 9-минутная “Atomic” очень показательна в плане того, как DOBBELTGJENGER умеют селекционировать прог-фьюжн и эйсид-психоделическую музыкальные традиции и интерпретировать их на собственный оригинальный, чуть ироничный манер – отличный трек!

Dobbeltgjenger

Да и весь альбом хорош – есть что послушать. Жаль только, что скоротечный… Но в любом случае – молодцы парни. Искренние поздравления с превосходным дебютом! Надеюсь, продолжение будет.

Слушать/скачивать на Bandcamp | DOBBELTGJENGER на Soundcloud

суббота, 15 октября 2016 г.

Edensong "Years In The Garden Of Years" (2016)

В последний день сентября солидный американский рекорд-лейбл The Lasers Edge Records анонсировал выход в свет на компакт-дисках нового альбома “Years In The Garden Of Years” нью-йоркской прог-рок формации EDENSONG.

Edensong

Напомню, что предыдущий альбом “The Fruit Fallen” – собственно, дебютный опыт EDENSONG – был выпущен собственными силами восемь лет назад. Прогрессивно-мыслящая общественность встретила его с восторгом и овацией, но продолжения так и не последовало… История того релиза, как и история самой группы, весьма непроста. Главный идеолог, сочинитель, вокалист и гитарист James Byron Schoen учредил EDENSONG еще в 2002 году, будучи студентом; коллектив начал гастролировать и готовить материал для дебютного альбома, задуманного как «сюрреалистическая псевдо-рок-опера». Однако в 2006-ом, в разгар студийных сессий группа буквально развалилась, и James Byron Schoen был вынужден завершать “The Fruit Fallen” в одиночку (откуда, собственно, и возник миф о том, что Edensong – единоличный проект Schoen’a). Выпустив альбом на собственные средства, James Byron Schoen озаботился формированием нового состава группы, которой более-менее оформился лишь в 2010-ом.

James Byron Schoen of Edensong
В состав нынешнего EDENSONG входят: James Byron Schoen (вокал, гитары), TD Towers (бас, вокал; он играл еще в составе группы 2004 г.), Tony Waldman (барабаны, перкуссия, вокал), Stefan Paolini (клавишные, перкуссия, вокал) и Barry Seroff (флейта). А помимо них, в работе над новым альбомом приняли участие: виолончелисты Luna Sky и Eric Stephenson, вокалист Malcolm Piper. Автором всей лирики, звукорежиссером и продюсером альбома является, конечно, James Byron Schoen. А вот музыку на этот раз сочиняли все участники коллектива вместе. Мастеринг, как и в случае с дебютом, готовил известный аудио-гуру, грэмми-носец Bob Katz. На выходе – 10 композиций, складывающихся в концептуальный 70-минутный опус “Years In The Garden Of Years”, посвященный загадочному феномену, именуемому «Время».



Что ж, слушатель, знакомый с дебютным опусом EDENSONG, скорее всего удивлен не будет. “Years In The Garden Of Years” – это прямое продолжение и развитие музыкально-художественной эстетики “The Fruit Fallen”, а также результат эволюции причудливого индивидуального авторского видения Schoen’a. Разношерстый бэк-граунд и опыт других участников коллектива, конечно, находит определенные проявления в музыке… однако, стоит принимать в расчет тот факт, что новый состав сложился отнюдь не спонтанно, но в результате довольно долгого и кропотливого поиска единомышленников для оптимальной реализации концепции именно Schoen’а. А вот слушателю, для которого творчество EDENSONG в новинку, расписать в словах, что играет группа может оказаться проблематичным. Однако попробую…

Edensong
Это эклектичный, сложно-композиционный, эшелонировано-аранжированный, прото-оркестрованный и лирико-сюрреалистичный симфо-прог-метал. Композиционные построения сделаны в традиции классического британского арт-прог-рока 70-х (Genesis, Yes и… Jethro Tull, которых главный идеолог в списке влияний ставит на первое место); полиритмические решения и риффовая основа музыки многим обязана различным трендам хард-н-хэви музыки 80-90х (в порядке появления в авторском списке влияний: Metallica, Dream Theater, Alice in Chains, Stone Temple Pilots, Soundgarden, Tool, Opeth, Megadeth и т.д.); в аранжировках имеет место некоторый космо-психоделический уклон (в духе наследия Pink Floyd и Porcupine Tree); а мелодические темы и вокальные гармонии вдохновлены примером любимых сонг-райтеров всех десятилейтий рок-музыки (Cat Stevens, The Beatles, Simon and Garfunkel, Billy Joel и т.д.). К перечисленным трендам присовокупите увлеченность пышными эпическими симфо-синематическими формами (в духе Hans Zimmer) и игровой кибер-симфо-визуальной музыкой (в духе «финально-фатазийных» саг Nobuo Uematsu)… и вот вам и ключевые вехи, за которые слух и сознание наверняка зацепится.

Edensong

Проблема в том, что музыку EDENSONG – тем более, музыку альбома “Years In The Garden Of Years” – каждый наверняка услышит по-своему, расставив подсознательно перечисленные ориентиры в произвольно-индивидуальном порядке. Для одних это будет помпезный и патетичный симфо-прог-метал, для других – глубоко-содержательный, высоко-образный и сложно-постановочный прогрессив-рок, в котором любые приемы и техники, любое калейдоскопическое чередование микро- и макро-фрагментов хэви-метал, арт-рока, фолка, шансона, чамбер-авангарда, классической, ориентально-эзотерической и электронной музыки – все служит и работает лишь на максимально достоверное и зрелищное воплощение в музыке драматургического замысла.

Edensong
Слушать “Years In The Garden Of Years” очень непросто, и эмоции этот альбом вызывает самые противоречивые. Мастерство музыкантов, широта их взглядов, глубина замысла, общий уровень реализации… восхищают. Но в какой-то момент от стилистической пестроты изложения буквально голова начинает идти кругом, аудио-картинка дефокусируется и смысл происходящего начинает ускользать… А когда на и без того сложный и насыщенный инструментальный контент накладывается лирический вокал, несущий огромную смысловую нагрузку, то бремя восприятия становится просто невыносимым. Впрочем, EDENSONG очень умело режиссируют свою постановку, поддерживают тонко выверенные балансы и, будто понимая, что слушатель уже «на грани», своевременно меняют «декорации», давая немного времени перевести дух и осмыслить услышанное. Подобное манипулирование контентом позволяет дослушать гипер-насыщенный и продолжительный опус до финала.

Edensong

Не рассчитываете, однако, что одного прослушивания достаточно – даже с полным погружением в музыку и лирику. Если альбом захватит, и если захочется разобраться, о чем же в действительности повествование EDENSONG, – диск придется переслушивать. И неоднократно… В общем, поклонникам арт-прог-рока – не формально-авангардного, но ультра-эклектичного, гипер-насыщенного и мега-образного – новая работа нью-йоркской группы безусловно рекомендуется.

Слушать/скачивать на Bandcamp | EDENSONG на Facebook