среда, 30 ноября 2016 г.

The Blue Sunshine Family Band "The Blue Sunshine Family Band" (2016)

Сегодняшний релиз в обозрении для тех, кто предпочитает американский Рок по-жестче, по-крепче и по-проще…


Встречайте калифорнийскую инструментальную хард-н-хэви группу THE BLUE SUNSHINE FAMILY BAND, которая появилась в городе Санта-Роза году в 2014-ом. Сделав демо-запись и выпустив самодельную магнитофонную кассету “Early Sessions” (2015), группа приняла в свои ряды адекватного барабанщика и в феврале этого года записала в местной студии 6 безымянных инструментальных композиций и спродюсировала свой официальный дебютный эпонимический 51-минутный альбом.



THE BLUE SUNSHINE FAMILY BAND – а это молодые еще люди Billy (гитара), Kevin (гитара), Matt (бас) и Quenten (барабаны) – записали все в «живом» режиме, не прибегая ни к каким звукорежиссерским ухищрениям.

The Blue Sunshine Family Band
Играет квартет хрестоматийный «олдскульный» твин-гитарный тради-дум. Мощный атлетический риффаж, увесистый грув, репетитивные ходы, аскетические мелодико-гармонические решения, обильное солоизвержение, никаких вокализаций или сэмплированных нарративов. А под занавес программы – даже душещипательный балладно-приблюзованный инструментальный «стретч» (это я о номере “V”).

Никаких загадок и откровений – все предельно ясно, понятно и доступно. Не могу не отметить весьма добротно поставленный саунд и бурную энергетику исполнения материала. Есть, кстати, в подобной инструментальной музыке и своя особая прелесть – она открывает широкие возможности для башкотрясения с целью освобождения сознания от сомнительных и опостылевших остатков мысли. Если подобные желания одолевают и вас – включайтесь.

The Blue Sunshine Family Band

Слушать/скачивать на Bandcamp | THE BLUE SUNSHINE FAMILY BAND на Facebook

вторник, 29 ноября 2016 г.

Jack O' The Clock "Repetitions of the Old City - I" (2016)

В первый день ноября выход своего нового альбома анонсировала замечательная американская арт-рок группа JACK O' THE CLOCK, базирующаяся в калифорнийской Области залива Сан-Франциско.

Jack O' The Clock

Отечественным поклонникам песенно-экспериментального арт-прог-рока этот коллектив наверняка известен. Напомню все же, что JACK O' THE CLOCK на свет появились летом 2007 года в Окленде: организаторами группы были студенты Миллс-Колледжа по классу композиции, которых объединил интерес к так называемой «новой экспериментальной фолк-песне». Начинала группа как акустическое трио Damon Waitkus (гитара, дульцимер, вокал), Nicci Reisnour (рожок, мелодика, объекты) и Emily Packard (скрипка, банжо). Летом 2008-ого состав изменился и приобрел свой современный вид: Damon Waitkus (вокал, гитары, дульцимер, флейта, клавишные, мандолина, перкуссия, объекты), Emily Packard (скрипки), Jordan Glenn (барабаны, перкуссия, маримба, виброфон), Jason Hoopes (бас, вокал) и Kate McLoughlin (фагот, вокал, флейта). В начале 2009-ого квинтет выпустил собственными силами дебютный альбом “Rare Weather”, за которым последовало еще четыре релиза: авторские программные альбомы “How Are We Doing And Who Will Tell Us?” (2011), “All My Friends” (2013) и “Night Loops” (2014), а также альбом каверов “Outsider Songs” (2015). “Repetitions of the Old City I” стал, соответственно, пятым официальным альбомом JACK O' THE CLOCK.



Это первая запись авторского материала за последние три года. Новые композиции – их 9 общей продолжительностью 64 минуты – записаны известным уже составом при участии весьма примечательных гостей: давнего друга коллектива, легендарного композитора и гитариста-новатора Fred Frith, а также представителей местного музыкально-академического сообщества – Darren Johnston (труба), Jonathan Russell (бас-кларнет), Andrew Strain (тромбоне) и Sarah Whitley (сэмплы). Спродюсировано, записано и сведено все лично Damon Waitkus; мастеринг подготовил Myles Boisen в оклендской студии Headless Buddha (известный звукоинженер и гитарист, сотрудничавший с John Zorn, Rova Saxophone Quartet, Eugene Chadbourne и др., участник The Splatter Trio и The Club Foot Orchestra).

Jack O' The Clock

От альбома к альбому музыка JACK O' THE CLOCK неуловимо меняется, сохраняя при этом уникальный авторско-сочинительский подчерк Damon Waitkus и оставаясь очень самобытным и редким явлением на современной американской рок-сцене. Не стал исключением и новый альбом. К слову, с современным американским прог-рок движением сам Damon Waitkus соотносит свое творчество с изрядной долей скептицизма и иронии: в своих интервью артист не раз говорил о том, что осведомлен о том, что наибольший отклик его музыка находит в прог-сообществе, чему он несколько удивлен; он склонен связывать этот феномен, прежде всего, с достаточно высоким уровнем сложности музыки и аранжировок, а отчасти с дружеским наставничеством и косвенным участием в жизни ансамбля Fred Frith’а. По факту музыка JACK O' THE CLOCK – особенно это заметно в композициях нового альбома – это очень причудливое комбинирование элементов барокко-фолка, камерной академической музыки, оркестрованного синематик-рока, экспериментала, уорлд-фьюжн и софт-поп-рока. Описание, разумеется, очень условное – насколько оно адекватно, судить слушателю.

Jack O' The Clock
Fred Frith, кстати, совершенно прав, связывая в своей аннотации к “Repetitions of the Old City I” музыкально-сонграйтерское творчество Damon Waitkus с наследием замечательного американского композитора, аранжировщика, продюсера, мульти-интсрументалиста и сонг-райтера Van Dyke Parks, который долго и плодотворно сотрудничал с кинематографом и телевидением (наверное, в качестве аналогий уместно было бы также назвать имена Robert Wyatt, Peter Gabriel, David Byrne, Laurie Anderson, Kate Bush, Sufjan Stevens и т.д.). Damon Waitkus действительно, как и все из перечисленных сочинителей-исполнителей, умеет создать иллюзию простоты и естественности вокруг самых сложных в композиционном и аранжировочном отношениях решений. В музыке JACK O' THE CLOCK, казалось бы, нет ни малейшего намека на напряженность и элитарность – лишь время от время от времени при прослушивании рождается странная ассоциация, будто присутствуешь на развлекательном шоу, в котором, по причине невероятных искажений времени и пространства, придворный менестрель развлекает достопочтенную публику-знать в сопровождении непонятно откуда взявшегося современного филармонического ансамбля, к которому по случаю присоединились электрифицированные джаз-трубадуры и рок-балагуры. Впрочем, музыка неизменно остается мягкой, вкрадчивой, утонченной, а голос Damon Waitkus звучит раздумчиво, успокаивающе и ласково. Название первого же трека на альбоме, капеллы «Я так рад встретить вас» становится лейтмотивом всего альбома “Repetitions of the Old City I”.

Jack O' The Clock
«Я должен верить, что мир вокруг будет добр к тебе, даже когда мои силы иссякнут», – поет Damon Waitkus. И есть в его голосе и интонации что-то такое, что заставляет поверить в его слова… Волшебник, одним словом. Волшебник, создавший изумительный альбом – с очень правильной энергетикой и очень своевременным посланием, очень тонкий, глубокий и лиричный, богатый и щедрый на восхитительные художественные нюансы и сюрпризы.

Почему-то мне кажется, что “Repetitions of the Old City I” со временем станет моим любимым альбомом у JACK O' THE CLOCK… Впрочем, ведь уже и вторая часть дилогии заявлена, вот-вот будет опубликована. Жду, конечно, и ее. А часть первую “Repetitions of the Old City” рекомендую настоятельно!

Слушать/скачивать на Bandcamp | JACK O' THE CLOCK на Facebook

понедельник, 28 ноября 2016 г.

Corima "Amaterasu" (2016)

Влияния французской рок-музыки в современном прогрессив-андеграунде очень сильны. Одно из ключевых влияний – это исконно французская разновидность прог-рока под названием zeuhl*, или «зеул» (как этот термин произносят в англоязычном музыковедении), или «цойл» (как его по недоразумению на немецкий манер произносят российские музыколюбы). В этой заметке я позволю себе использовать транслитерацию «зеул», тем более что речь пойдет не о европейской группе, а об американской – под названием CORIMA.

Corima

Создана она была в 2005 году в техасском городе Эль-Пасо друзьями со школьной скамьи, которых звали Erik Martinez, Jaime Silva, Juan Tarin и Sergio Sanchez. Поначалу молодые музыканты вдохновлялись творчеством The Mars Volta и играли музыку на пересечении панк-хардкора и прог-метал. Но со временем в художественной концепции стали происходить трансформации: усилились влияния различных арт-прогрессивных трендов, а в художественно-драматургической концепции возобладали темы из майянской и ацтекской мифологии. В итоге музыканты оказались под влиянием наследия группы Magma и традиции французского зеул-рока. В 2008 году CORIMA записали дебютный одноименный альбом и перебрались из Техаса в Калифорнию, в Лос-Анджелес. К тому времени в составе группы осталось лишь двое музыкантов оригинального состава – Sergio Sánchez (ударные) и Francisco Casanova (клавишные, синтезаторы, вокал). Их новыми партнерами стали: Ryan Kamiyamazaki (бас), Andrea Calderon (скрипка, вокал) и Patrick Shiroishi (саксофоны, гитара, глокеншпиль, вокал). В этом составе в 2012 году CORIMA записали свой второй альбом “Quetzalcóatl” и незамедлительно получили предложение о сотрудничестве от французского профильного рекорд-лейбла Soleil Zeuhl. И уже в статусе «самой значимой американской группы зеул-рока» в начале ноября этого года CORIMA анонсировали свой третий альбом “Amaterasu”, также выпущенный Soleil Zeuhl.



Новый альбом состоит из двух эпических опусов – 20-минутного “Tsukutomi” в 3 частях и 29-минутного “Amaterasu” в 6 частях. Посвящен альбом постижению сакрального смысла образов японской мифологии – божественных устроителей Цукуеми-но-Микото (бог Луны, управляющий приливами и отливами) и Аматэрасу (богиня Солнца, покровительствующая выращиванию риса и изготовлению шелка, которая также считается прародительницей японского императорского рода). Оба этих персонажа являются потомками богов творения и смерти Идзанаги и его сестры-супруги Индзанами. А альбом, очевидно, рассказывает одну из главных легенд синтоизма – о том, как Аматэрасу изгнала своего младшего братца Цукуеми из небесного дворца, в котором они некогда жили вместе. Именно с тех времен солнце и луна оказались разделены: солнце светит днем, а луна – только ночью.

Сorima

Задумано и исполнено все мастерски – с отличным вкусом и в великолепной исполнительской технике. Не могу не отметить, что CORIMA с альбомом “Amaterasu” несколько раздвинули рамки своего хрестоматийного зеул-рока и зазвучали более вариативно и самобытно. Собственно, пьеса “Tsukutomi”, практически полностью сделанная в инструментальном ключе, стилистически ближе к современному авант-прог-фьюжн, чем к зеул-року. А вот во второй пьесе, титульной “Amaterasu” квинтет возвращает в музыку и характерные для субжанра торжественно-хоральные, а порой и язычески дикие песнопения, и репетититивные ритуально-маршевые ритмы, и девиации в мрачноватый неоклассический минимализм, и неожиданные выплески импровизационного хаоса-тьмы, и все прочие родовые элементы, отличающие зеул-рок от прочих прогрессивных направлений рок-музыки.

Corima

Наличие в составе CORIMA вокалиста и вокалистки позволяет легенду о непростых семейных взаимоотношениях божественных сестры и брата персонифицировать и разыграть в драматургических лицах. Спектакль проистекает под причудливый аккомпанемент массивно пульсирующих ударных и натружено ухающего баса, в затейливо запутанной интерсекционной вязи скрипки, саксофона, электрооргана и электропианино. Иначе говоря, поклонникам классического «зеула» на альбоме очень даже есть что послушать, но и те, кто предпочитает менее зловеще-церемониальные и эмоционально-невротические формы прог-рока, тоже разочарованы не будут. Рекомендую!

Corima

* Напомню, что слово zeuhl не имеет аналогов ни в одном «живом» европейском языке. Пришло оно из придуманного лидером группы Magma, барабанщиком Christian Vander’ом, «кобайанского» языка, в переводе с которого оно означает «небесный, божественный, неземной». Споры о том, как правильно произносить слово zeuhl, ведутся очень давно. Поводом для них стал тот факт, что сами участники Magma слово zeuhl никогда не произносили как «цойл», скорее как «дзеуоль» (пример: на альбоме “Mekanïk Destruktïẁ Kommandöh” 1973 года фраза “da zeuhl wortz mekanik” пропевается вокалистами как “da dzyol' vorts mekanik”). Транскрипция «цойл» пошла в оборот с подачи ведущего одной из музыкальных программ немецкого телевидения, который произнес zeuhl как «цойль», просто по аналогии с немецким словом zeul («бог»). В настоящее время, поскольку английский язык является основным языком музыкального рецензирования, общепринятой является транскрипция и транслитерация «зеул».

Слушать/скачивать на Bandcamp | CORIMA на Facebook

суббота, 26 ноября 2016 г.

Baron Crâne "Electric Shades" (2016)

Парижское инструментальное пауэр-трио BARON CRÂNE я бы назвал одной из самых интересных новых групп европейского стоунер-андеграунда.

Baron Crâne

BARON CRÂNE дебютировали в октябре прошлого года с превосходным 27-минутным EP, привлекли внимание специалистов оригинальностью материала, вызвали легкое замешательство в среде стоунерлюбов, а в середине ноября этого года добавили топлива в разгорающееся вокруг их музыки пламя страстей, выпустив второй релиз под названием “Electric Shades”.



В 32-минутный альбом вошло 6 новых инструментальных пьес, которые сыграны в том же составе, что и на дебюте – Léo Pinon (гитара), Colin Gentile (бас) и Pierre Chatel (ударные) – а записаны и сведены уже знакомым звукоинженером Guillaume Roess, который фактически является четвертым штатным участником группы. По поводу стилистики, в которой играют BARON CRÂNE, споры среди музыколюбов и знатоков ведутся до сих пор. Конечно, всегда можно просто отделаться банальным высказыванием по поводу того, что самое важное в любой музыке – это нравится она вам или нет… Однако даже очень условная классификация все же очень важна для распространения слова о любой новой группе, а также для расширения и консолидации вокруг нее аудитории. Итак, что же играют BARON CRÂNE?

Baron Crâne

Сами музыканты тэг «стоунер» упорно избегают, а в интервью предпочитают говорить о том, что их музыка – это «инструментальный рок в широком спектре влияний». Весьма справедливо, поскольку полистилизм и открытость – это пожалуй, главные характеристики музыки BARON CRÂNE. Креативный эклектизм, поиск оригинальных гармоний, динамическая вариативность и повествовательно-синематический мелодизм определяют «прогрессивность» творчества молодой группы. Их музыка достаточно академична в композиционном плане, но при этом проста и приземлена с точки зрения аранжировок. К тому же она не лишена поп-чувственности, на которую сразу же рефлексирует среднестатистический слушатель, далекий от того, чтобы связывать услышанное с каким-либо рок-музыкальным трендом. Но похоже, что BARON CRÂNE вовсе не стремятся быть «хитмейкерами». Вокально-лирическому посланию для масс они предпочитают исключительно инструментальные формы музицирования для любителей интеллектуальных шарад. В самых общих чертах каждая пьеса трио – это своеобразная рок-музыкальная авантюрно-приключенческая зарисовка, изобилующая хэви-риффовыми атаками и мэт-проговой акробатикой, но в которой обязательно есть место созерцательно-настроенческому лирическому саунд-скейпингу. Дебютный “EP1” и новый “Electric Shades” очень близки и по манере исполнения, и по характеру-настроению музыки, а различия между этими двумя записями относятся скорее к содержательному наполнению форм. Слушать обе эти работы весьма интересно – очень надеюсь, что когда-нибудь их выпустят вместе на компакт-диске, поскольку одна прекрасно дополняет другую.

Baron Crâne

Новый опыт BARON CRÂNE, конечно, рекомендую. Но если группа вам не знакома, то попробуйте сразу послушать оба их релиза в хронологической последовательности – так впечатления и острее, и полнее. Добрых вам выходных!

Слушать/скачивать на Bandcamp | BARON CRÂNE на Facebook

пятница, 25 ноября 2016 г.

Chromb! "1000" (2016)

Со времени начала своей творческой деятельности – а было это где-то году в 2008-ом – французская группа CHROMB! из Лиона отыграла около сотни концертов во Франции, Бельгии, Испании, Италии и Германии, в том числе и в рамках многих престижных международных фестивалей экспериментальной, прогрессивной и джазовой музыки…

Сhromb!

…а также выпустила собственными силами демо-запись (2010) и два превосходных альбома: “I” (2012) и “II” (2014). Причем дебютный альбом, который в оригинале выходил на компакт-дисках и виниле, года полтора назад был вновь переиздан на компактах. Ну а в первых числах ноября с.г. на лионском независимом рекорд-лейбле Dur Et Doux у этого интереснейшего коллектива вышел новый альбом “1000” из 8 композиций общей продолжительностью без малого 59 минут.



CHROMB! из числа тех коллективов-новаторов, которым, возможно, всегда будет суждено оставаться в тени исполнителей с давно и широко известными именами, но которые с каждой новой записью продолжают раздвигать границы привычного и делают то, что рок-музыку нынешнего века отличает и будет отличать от рок-музыки века прошлого. Кстати, если полагаться на слова участников, то играют CHROMB! «насыщенную камерную музыку в электричестве для эмоциональных взрослых и безумствующих детей»… Понимайте, как хотите, или не понимайте-принимайте вовсе, сути вещей это не изменит – Camille Durieux (клавишные, пианино, синтезаторы, голос), Lucas Hercberg (бас, синтезаторы, голос), Antoine Mermet (альт-саксофон, голос, синтезаторы) и Léo Dumont (ударные, объекты, голос) – делают «новую музыку», со знанием и пониманием различных академических, джазовых и роковых традиций, но без особого ориентирования на них.

Chromb!

Более того, CHROMB! до известной степени занимаются последовательным и концептуальным разрушением какой бы то ни было музыкальной эстетики. При этом само понятие музыкальной формы, жанра и стиля подчиняют всепоглощающей идее создания множественно гипертрофированного и утрированного музыкально-драматургического образа. Как следствие, их музыка имеет выраженный анимационно-синематический характер (пожалуй, в полной мере эта черта проявилась на втором альбоме квартета). Сотрудничество группы с популярным французским мультипликатором и сценаристом Benjamin Flao, который создал уже немало образов-иллюстраций по мотивам произведений CHROMB!, отнюдь не случайно. Другая отличительная особенность музыки коллектива – дадаистская и брутистская анти-песенность, усугубленная кукольно-чревовещательными вокализациями, в массе своей бессмысленными, но очень выразительными, забавными и привлекательными.

Chromb!

Если все же попытаться классифицировать творчество CHROMB! в общепринятых терминах и категориях, то я бы охарактеризовал его как внеформатно-экспериментальный авант-прог-фьюжн с сильным академическим композиционным началом, но открытым и свободным по отношению к любой жанрово-стилистической форме. Если забыть о том, что «рок», как и любой иной музыкальный жанр, вызывает у CHROMB! спазматический приступ рефлексии, то они – натуральные «риошники», причем в самом исконном и буквально-оппозиционном понимании этого термина. Гротеск и сатира, что говорится, красной нитью проходят через альбом “1000”. Любопытно, что это первый опус, в написании музыки к которому не принимал участие основатель коллектива, клавишник Camille Durieux (он также является соучредителем отличной группы Des Fourmis Dans Les Mains): вся музыка создана усилиями бас-гитариста Lucas Hercberg и саксофониста Antoine Mermet (к слову, этот тандем также функционирует и автономно, как проект 1000 Francs Dans La Gorge; кроме того эти музыканты являются действующими участниками ансамблей The Very Big Experimental Toubifri Orchestra, Saint Sadrill и др.). Лирику на французском и английском языках, там где она имеет содержательный характер, сочиняли очевидно они же, поскольку обратного в кредитах не указано.

Chromb!

Играют все четверо участников коллектива, включая и новоприобретенного барабанщика Léo Dumont, который сменил на этом посту Guillaume Gestin, и для которого этот альбом стал первым в составе CHROMB! (он также является участником групп Polymorphie, Pixvae, Kouma и др.) – виртуозно, в изумительно вариативной динамике и в восхитительных интерсекционных хитросплетениях партий клавишных, духовых, струнных и ударных инструментов. Фактически все четверо музыкантов принимают равное участие в структурно-композиционном строительстве и, соответственно, в музыкальном живописании образов и ситуационных сцен, в которых образы придуманных авторами персонажей раскрываются в живописной полноте и остроте.

Chromb!

“1000” – работа в высшей степени новаторская, оригинальная, эмоционально и социально-психологически заряженная. Слушать ее – само по себе захватывающее приключение. Но для пущей полноты восприятия обязательно надо связать музыку с лирикой и иллюстративным рядом. Замечу, что будучи в категории «музыка-не-для-всех», “1000” слушается достаточно легко и вполне может позабавить даже слушателя, не особо склонного к вниканию в подтексты музыки. Этот альбом CHROMB! я склонен причислить к высшим достижениям года в категории «авант-прог». Почитателям этого субжанра во всем многообразии его проявлений – рекомендуется настоятельно! Браво, CHROMB!!

Chromb!

Слушать/скачивать на Bandcamp | CHROMB! на Facebook

четверг, 24 ноября 2016 г.

Stoned Diplodocus "Stoned Diplodocus" (2016)

В канун Дня всех святых французская независимая издательская артель L'étourneur из города Кана, столицы региона Нижней Нормандии представила публике дебютный альбом группы STONED DIPLODOCUS, которая в том же городе и базируется.

Stoned Diplodocus
Коллектив этот был учрежден в 2014 году, недолго функционировал в формате дуэта, а затем трансформировался в трио: Armel Sfaxi (гитара), Anthony Retaillé (гитара, бас, голос) и Robin Dufour (барабаны). Художественный манифест STONED DIPLODOCUS главной задачей ставит «деконструкцию стоунер-музыки путем ее преломления в эстетике мэт-рока»… Полагаю, что против «стоунера» молодые французские музыканты ничего личного не имеют. Более того, рассматривают этот субжанр в качестве фундамента, или первичной мотивации своего творчества. Однако особого пиетета к стоунер-канону они явно не питают и считают, что оригинальности и яркости субжанру может добавить скрещивание его с мэт-роком, порн-прогом, авант-кором, психо-нойзом и прочими кросс-стилистическими изысками.



В общем, вызов брошен, и художественная интрига в 42-минутный дебютный альбом заложена. Составившие его 5 композиций записаны трио в марте этого года при участии в 2 номерах Marc Aucabram (скрипка).

Stoned Diplodocus
Поставленные художественные задачи STONED DIPLODOCUS предпочитают решать в чисто инструментальном ключе: вокал, причем на английском языке, звучит только в открывающем треке “They Live” и заключительном “Empress”, да и то исключительно в прологах. Однако основное время без малого 9-минутной и 11-минутной «песенок» музыканты отводят инструментальному музицированию. Суть его – авангардистское деконструирование едва было обозначившихся форм и свободная экспериментально-нойз-джазовая импровизация. В прочих номерах STONED DIPLODOCUS петь и не пытаются – сразу, так сказать, «берут быка за рога» и уверенно воплощают в жизнь свою авторскую идею «анти-стоунер-рока». Жгучий рифф-н-фуззовый стоунер-эйсид-рок нет-нет да и прорывается в общем контексте музыки, но главной стилистической темой музыки трио остается прогрессивный авант-мэт-рок.

Замечу, что, несмотря на имеющие место жесткость и резкость исполнения, STONED DIPLODOCUS не эпатажны и не агрессивны. Более того, в музыке коллектива присутствуют и определенный композиционно-аранжировочный изыск, и лирико-романтическая игривость, и куртуазный юмор. Резюме: очень неплохой дебют – интересно задуманный и отлично исполненный. Поклонникам кросс-стилистических экспериментов и просто оригинальной инструментальной рок-музыки стоит послушать.

Слушать/скачивать на Bandcamp | STONED DIPLODOCUS на Facebook

среда, 23 ноября 2016 г.

Terebenthine "Matière Noire" (2016)

Из числа самых ожидаемых мной новинок французского инструментального прогрессив-рока – новый альбом группы TEREBENTHINE из города Клермон-Ферран.

Terebenthine

Этот коллектив был собран в 2009 году композитором и гитаристом Miguel Miranda и 2012-ом дебютировал с отличным одноименным альбомом. Еще через два года Miguel Miranda анонсировал мини-альбом своей музыки, исполненный камерным ансамблем ACID QUINTET в составе кларнет-скрипка-альт-виолончель-вибрафон: три композиции были взяты с дебютного альбома “Terebenthine”, одна пьеса была новой, и, как выяснилось, именно она стала титульным номером нового альбома “Matière Noire”.



Записывался альбом в обновившемся составе группы: к участникам оригинального состава Miguel Miranda (гитара), Benoît Foucault (гитара) и Yoann Chillault (бас) на открывшиеся вакансии подключились Alexandre Boutin (гитара) и Rémi Subjobert (ударные). Квинтет записал 9 новых инструментальных пьес общей продолжительностью около 37 минут, причем титульную “Matière Noire” на самоизданном компакт-диске представил в двух версиях – в «рок-электрической» и «классико-акустической» (в исполнении упомянутого ансамбля ACID QUINTET).

Acid Quintet
От вопросов журналистов, в какой стилистике играют TEREBENTHINE, лидер коллектива, как правило, отделывается шутками, щедро сыпля именами и названиями коллективов. Хотя ответ придет сам собой, если внимательно послушать обе версии “Matière Noire” – это «новая композиционная музыка», которая может быть интерпретирована как в классическом, так и в роковом, и в джазовом ключе. В конечном итоге – все определяется тем, каков будет инструментарий ее исполнения, и какая аранжировка будет придумана для этих пьес. TEREBENTHINE – это вполне традиционный электрифицированный рок-состав. Правда, его изначальная концепция предполагает наличие в составе трех гитаристов – дабы не обращаться к технологии многослойной записи и добиваться максимально живого звучания.

Terebenthine
Как композитор, Miguel Miranda очень близок к так называемой «новой кинематографической школе» европейской академической музыки, и имя великого Ennio Morricone им называется чаще любых других имен отнюдь не случайно. Другая грандиозная фигура современной музыки, явно оказавшая на него огромное влияние, и как на композитора-аранжировщика, и как на исполнителя-электрогитариста – маэстро Robert Fripp. Взгляды и идеи этих двух гениев Miguel Miranda и стремится постичь, развить и отразить в музыке TEREBENTHINE. Ну а если вопросы о том, как классифицировать музыку группы, все же остались… скажу, что это – академический арт-прог-рок с очень сильным драматургическим и образным началом, в полностью инструментальных формах и с изящными экстраполяциями на любую иную стилистическую область современной рок-музыки.

Terebenthine
“Matière Noire” в сравнении с дебютом звучит порой более жестко и напряженно, что обусловлено стремлением коллектива в разных ракурсах раскрыть смысл такой художественной аллегории как «темная материя» (напомню, что в теоретической физике и прочих естественных науках «темная материя» понимается как гипотетическая форма вещества, которая не испускает электромагнитное излучение и напрямую с ним не взаимодействует; и это свойство делает невозможным наблюдение и изучение материи в этой ее форме… иначе говоря, «темная материя» – это все, что не поддается эмпирическому познанию). Вместе с тем, жесткость, напряжение, массивность и суровость исполнения отнюдь не абсолютизируются в музыке TEREBENTHINE – в ней есть место и буйству красок, и задумчивой мечтательности, и изумленной растерянности, и даже некоторой иронии.

Terebenthine
Погрузившись в свои художественно-музыкальные исследования, музыканты будто стремятся постичь себя самих… И вдруг приходит понимание того, что на самом деле «темная материя» – это ведь человек. Не в связи, конечно, с буквальной физической способностью к электромагнетизму – но в связи с явной невозможностью постижения собственной натуры, в связи со способностью равно излучать добро и сеять зло, притягивать к себе и отталкивать от себя… Браво, TEREBENTHINE! Альбом великолепен – красив, содержателен, глубок и захватывающе авантюрен. Настоятельно рекомендую его любителям интеллектуальной, инструментальной, по-настоящему прогрессивной и высокохудожественной рок-музыки.

Слушать/скачивать на Bandcamp | TEREBENTHINE на Facebook

вторник, 22 ноября 2016 г.

Maiale "Exil" (2016)

Года полтора назад один знакомый меломан из Франции, зная о моем интересе к различным формам инструментальной рок-музыки, предложил послушать новый проект из города Лиона под названием MAIALE.

Maiale

То был 50-минутный студийно-лабораторный альбом “Toboggan”, записанный осенью 2014 года двумя молодыми профессиональными музыкантами – Mathieu Aubineau (гитары, клавишные, музыка, аранжировка) и Lorenzo Morrone (ударные).



Интересный и слушабельный инструментальный прог-фьюжн – классная композиционная музыка, лишенная исполнительского нарциссизма, академической помпезности и формализма. Оба музыканта, насколько я понял, были задействованы сразу в нескольких местных популярных поп, джаз и рок-ансамблях и явно не рассматривали MAIALE, как основную творческую площадку приложения своих талантов (у проекта даже нет своей странички в соцсетях). Однако, как выяснилось, альбом “Toboggan” не стал разовым опытом-выплеском. В конце октября этого года дуэт анонсировал свой второй 54-минутный альбом “Exil”.



Записан альбом в январе-феврале 2016-ого – в той же студии Danmaniche, тем же составом и в том же формате дуэта Mathieu Aubineau (гитары, клавишные) и Lorenzo Morrone (ударные).

Lorenzo Morrone
Никаких заметных изменений в изначальной художественно-эстетической концепции MAIALE не произошло – Mathieu Aubineau просто написал 12 новых инструментальных пьес и придумал аранжировки для ударных, клавишных и гитар – в том же ключе, что и на дебютном альбоме. А потом, скооперироовавшись с Lorenzo Morrone, записал и спродюсировал все с максимальным использованием современных звукорежиссерских технологий. То, что музыкантов всего двое, на музыке не сказывается никоим образом. Исполнительский уровень обоих участников очень высок, причем Aubineau равно хорош и как гитарист, и как клавишник.

На выходе – качественный, живой и нетривиальный инструментальный прог-фьюжн. Слушается очень легко и прекрасно воспринимается в фоновом режиме домашнего времяпровождения. Вместе с тем, музыка богата нюансами, образами, эмоциями и располагает к тому, чтобы расслушать и посмаковать ее должным образом. Наилучшие пожелания MAIALE и искренние рекомендации отечественным меломанам с музыкой этой группы познакомиться.

Слушать/скачивать на Bandcamp

понедельник, 21 ноября 2016 г.

Lilium Sova "Lost Between Mounts and Dales / Set Adrift in the Flood of People" (2016)

В начале октября с.г. новым альбомом отметила десятилетний юбилей своей творческой деятельности швейцарская инструментальная авант-рок группа LILIUM SOVA.

Lilium Sova

Коллектив этот был учрежден в Женеве в 2006 году. В 2008-ом LILIUM SOVA в составе Cyril Chal (бас), Timothée Cervi (ударные) и Michael Borcard (саксофон, клавишные) дебютировали с отличным альбомом “Tripartite Chaos”, который сразу же привлек внимание к группе поклонников «риошного» авант-прога, отчасти сладжкора и всевозможных «неудобных» инструментальных форм самовыражения. Следующий альбом “Epic Morning”, записанный трио с большим числом приглашенных музыкантов и также выпущенный собственными силами группы, вышел в свет лишь в 2012-ом. Это был последний релиз, записанный оригинальным составом трио: еще в конце 2011-ого группа сообщила поклонникам об изменении художественной концепции, а также формата и состава коллектива. Саксофониста-клавишника заменили Loïc Blazek (виолончель) и Kim Makombe (гитара) – оба фигурировали в списке гостей второго альбома. Однако осенью 2013-ого гитарист покинул ряды группы, и LILIUM SOVA вновь стали трио: Cyril Chal (бас), Timothée Cervi (ударные) и Loïc Blazek (виолончель, гитара). Летом 2015-ого этим составом и были записаны 10 новых композиций, составивших 42-минутный третий в дискографии альбом под многобуквенным титулом “Lost Between Mounts and Dales / Set Adrift in the Flood of People”.



На самом деле, релиз представляет собой концептуально-драматургическое объединение двух программ: треки 1-6 – это программа “Lost Between Mounts and Dales”, написанная для трио бас-виолончель-ударные (ее музыка условно связана со сценами сельской жизни); треки 7-10 – программа “Set Adrift in the Flood of People” для трио бас-гитара-ударные (сцены городской жизни). Loïc Blazek, соответственно, в первой программе играет только на виолончели, а во второй – только на гитаре. Гостей в альбом не пригласили, лишь звукорежиссер записи Kevin Galland добавил немного нойз-текстур в одну из пьес первой программы. Этот момент акцентирую намеренно, поскольку в числе гостей предыдущих двух альбомов обязательно находился какой-то несдержанный вокализер – как следствие, появлялся номер с вокалом, причем эдакого диковатого «сладжевого» характера – и это мои субъективные совокупные впечатления от “Tripartite Chaos” и “Epic Morning” несколько портило… Впрочем, дело вкуса, да и треков с лирическо-эмоциональным «ором» на каждом предыдущем альбоме было лишь по одному.

Lilium Sova

“Lost Between Mounts and Dales” («Затерявшись между холмов и долин») и “Set Adrift in the Flood of People” («Отдавшись течению людского потока») – опусы сугубо инструментальные. Что даже несколько странно, принимая во внимание, что пост-метальные тренды (в частности влияния дрон-метал и сладж-кора) на новом альбоме несколько усилились. Будучи уже знаком с обоими альбомами прошлых лет (и даже переслушав их по такому случаю), я буквально в каждом номере новых программ ждал подвоха – вот выскочит «чертик-из-табакерки», для пущей убедительности заорет истошным воплем, и магия инструментальной круговерти развеется. Но ничего подобного… Отсутствие экспериментов с вокалистами вовсе не единственная загадка альбома. Например, «сельская» программа “Lost Between Mounts and Dales” парадоксальным образом звучит ничуть ни с меньшим напряжением и одержимостью, чем «городской» сет “Set Adrift in the Flood of People”. Невольно представляешь себе лирического героя этих аудио-новелл – человека явно городского, который, оторвавшись от привычной среды обитания, в какой-то момент начинает испытывать нешуточный психический дискомфорт. Определенное успокоение он находит, лишь вернувшись на улицы города, слившись с толпой, почувствовав ритм ее движения и отдавшись ему. Однако в городе своих проблем, забот и страхов множество – и они тут же настигают нашего героя…

Lilium Sova

Напрашивается вывод: жить сложно – что в деревне, что в городе. Конечно, сложно по-разному. Но фобии торжествуют повсеместно. И единожды им поддавшись, рискуешь в какой-то момент сломаться окончательно и обнаружить себя уже ни в городе, ни в деревне, а сами понимаете в каком лечебно-профилактическом пансионе… Ну да ладно, вернемся к музыке. LILIUM SOVA играют очень насыщенно, плотно, массивно, вариативно, жестко контролируя интенсивность и массу музыкального потока. Архитектоника музыки предполагает наличие огромного числа нюансированных деталей, которые очень важны и интересны. Но которые бывает очень непросто прочитать в обрушившемся хаосе суровых созвучий. Структурным созиданием в трио занимаются бас-гитарист и барабанщик: Cyril Chal и Timothée Cervi играют строго, массивно и фигурно, поначалу их исполнение кажется несколько схематичным и математически выверенным, но вскоре начинаешь чувствовать изумительную пластичность и эстетскую утонченность их игры. Loïc Blazek в статусе формально единственно солирующего музыканта воистину вездесущ – будь то в роли виолончелиста или гитариста, он то присоединяется к структурообразующему тандему, способствуя наращиванию плотности и объема музыки, то, отдалившись от партнеров, начинает развивать какую-то загадочную мелодическую тему и нагнетать эмоциональный фон произведения.

Lilium Sova

Если Cyril Chal и Timothée Cervi – это нерв и страсть музыки LILIUM SOVA, то Loïc Blazek – ее душа и неизлечимая тоска… как бы тривиально не выглядело это утверждение. Музыку швейцарского трио невозможно прочувствовать, пока не послушаешь альбом несколько раз. “Lost Between Mounts and Dales / Set Adrift in the Flood of People” – для меня стал высшим достижением LILIUM SOVA за десять лет творческой деятельности. Интереснейший, исключительно зрелищный, если так можно сказать о музыкальной работе, и прогрессивный по своему характеру альбом. Браво! Самые настоятельные рекомендации!

Lilium Sova

P.S. Альбом выпущен на компакт-дисках и виниле при участии независимых рекорд-лейблов Urgence Disc и Cold Smoke Records.

Слушать/скачивать на Bandcamp | LILIUM SOVA на Facebook

суббота, 19 ноября 2016 г.

Mano "Mano" (2016)

Знакомьтесь с американской прог-рок группой MANO из Чикаго штата Иллинойс.

Mano

Коллектив был создан в 2013 году, когда композитор c классическим образованием Joe LaRocca (флейта) собрал под своим началом талантливых музыкантов: Greg Firak (гитара), Collin O'Brien (ударные), Parker Grogan (бас), Najeeba Syed (скрипка), Desiree Miller (виолончель) и Marshall Greenhouse (перкуссия, шумы). MANO сразу же начали активную концертную жизнь, весной 2014-ого опубликовали свой первый сингл, осенью того же года с успехом выступили на чикагском фестивале Progtoberfest, а летом 2015-ого были приглашены открыть чикагский концерт культовых Ozric Tentacles. В конце октября с.г. коллектив собственными силами подготовил и опубликовал долгожданный дебютный альбом, официальная презентация которого состоялась в рамках Progtoberfest II.



Эпонимический 45-минутный полноформат, работа над которым велась с весны 2014 года, включает 7 инструментальных композиций – собственно, все, что MANO сочинили за время совместной деятельности (включая и свой самый первый сингл “Merhaba”). Все участники ансамбля – исполнители профессиональные и очень компетентные. Их музыка четко следует изначальной художественно-эстетической концепции, которую я бы обозначил как рок-композиционную интерпретацию ближневосточной духовной и фольклорной музыкальной традиции. Стилистика, как вы догадываетесь – инструментальный прог-фьюжн с колоритом уорлд-мьюзик.

Mano

Стройные композиционные построения на альбоме соседствуют с развернутыми импровизационными секциями. Эта комбинаторика имеет выраженный академический характер и строится в основном на подвижной интерсекционности солирующих инструментов – флейты, скрипки, виолончели и гитары. Причем гитарные соло звучат, пожалуй, наиболее раскрепощенно и эмоционально – что придает музыке некоторый эйсид-психоделический флер (показательна в этом смысле, например, заключительная пьеса “Lungta”). Ритм-секция играет безупречно – всегда четко, пластично, грамотно и чрезвычайно чутко по отношению к солистам.

Joe LaRocca of Mano

Резюме: дебютный альбом MANO – работа весьма зрелая, качественная, насыщенная, ровная и слушабельная. Полагаю, что в большей степени она понравится поклонникам традиционалистского академического прогрессив-рока и уорлд-фьюжн – во всей художественной чистоте и полноте инструментальных форм и содержаний. Полюбопытствуйте.

Слушать/скачивать на Bandcamp | MANO на Facebook

пятница, 18 ноября 2016 г.

Sonicatomic "Vibes Addiction" (2016)

Совсем иное видение современного краут-рока предлагает итальянская группа SONICATOMIC из города Тортона в регионе Пьемонт.

Sonicatomic

Коллектив этот создан был в конце 2014 года. В составе его играют: Andrea Gualco (бас), Matteo Bugnolo (синтезатор, самплер), Paolo Quaglini (барабаны) и Federico Lessio (саксофон). Правда, дебютный альбом под названием “Vibes Addiction”, который выпущен собственными силами коллективом в конце октября с.г., записан был, когда позицию саксофониста занимала девушка по имени Paola.



SONICATOMIC играют очень живой и пластичный, полностью инструментальный кроссовер моторик-краут-рок и эйсид-фанк-джаза. Единственный солирующий инструмент – саксофон. Влияния классического эйсид-джаза столь сильны, что, несмотря на активное использование в контексте аранжировок характерных текстурных синт-эффектов, музыка имеет не столько «психоделический» оттенок, сколько футуристического фьюжн-грув для модной дэнс-пол вечеринки. Используемые в контексте разноязычные голосовые и вокальные сэмплы, в том числе и псевдо-этнические, этот эффект лишь усиливают.

Sonicatomic

Все 8 композиций, составившие 36-минутный альбом, примерно одного художественного плана и одного уровня качества. В целом альбом слушается очень неплохо, хотя ничего, выходящего за рамки стильной и качественной музыки «для веселого времопровождения» не предлагает. Рекомендуется, прежде всего, любителям грувовой танцевабельности и мелодического саксофона, а также тем, кто интересуется новинками в области всевозможных ответвлений нео- и пост-краут музыки.

Слушать/скачивать на Bandcamp | SONICATOMIC на Facebook

четверг, 17 ноября 2016 г.

Chickn "Chickn" (2016)

Отличным релизом в октябре подтвердил свою репутацию одного из самых интересных и успешных современных греческих независимых рекорд-лейблов Inner Ear Records из города Патры. В формате двойного винила этим импринтом выпущен в свет первый полноформатный альбом замечательной афинской группы CHICKN.

Chickn

Альбом “Chickn” – 10 композиций, 68 минут звучания – позиционируется как «дебютный». Однако сама группа существует с 2012 года и за четыре года активности уже выпустила три миньона: 13-минутный EP “Die To Make A Living/ Miss Me A Lot” (2013), 17-минутный “Chickn Cassette #1” (2014) и 9-минутный “3 Flaming Spoons for the 6th of December” (2014). Полагаю, правда, что с релизами этими знакомо лишь очень небольшое число коллекционеров-собирателей экспериментальных и нео-краутовых диковинок. Первый полноформат от Inner Ear Records подобное положение дел должен исправить. Да и сами CHICKN с точки зрения художественности своей музыки заслуживают гораздо большего, чем быть «локально популярным коллективом для избранной публики».



Кстати, послушать миньоны CHICKN, собранные на старой страничке группы, очень стоит. Поскольку в полноформатный альбом включили лишь одну песню (“Aleppo”) из восьми, записанных в период 2013-2014 годы. Свою музыку участники коллектива обозначают странным термином «джетзейт-рок». Но по факту все, что группа записывала в неоднократно меняющихся составах и форматах, соотносится с понятием песенно-моторного «нео-краут-рока». Креативное ядро нынешнего CHICKN составляют трое музыкантов: главный идеолог и сочинитель, мульти-инструменталист Angelos Krallis, плюс барабанщики-перкуссионисты Evankelos Aslanides и Pantelis Karasevdas. Песни, вошедшие в LP были сочинены в 2014-2015 годы. А летом-осень 2015-ого материал был записан в студии Sonic Playground Studio в Афинах.

Chickn

В записи в общей сложности приняло участие девять музыкантов (то есть, фактически весь концертно-ансамблевый состав CHICKN): непосредственно Angelos Krallis (вокал, гитары, ситар, лютня, синтезаторы, клавишные, программирование, перкуссия, экзотические инструменты), Evankelos Aslanides (барабаны, перкуссия) и Pantelis Karasevdas (перкуссия, конги, джембе); а также игравшие во всех композициях, но формально не являющиеся участниками группы Axios Zafeirakos (бас) и Konstantinos Protopappas (гитара); а также игравшие в качестве гостей в отдельных композициях Haris Neilas (дарбука, конги, колокольчики), Andreas Kiltsiksis (перкуссия), Georgios Dimakis (синтезатор, вокал) и Ioannis Karras (саксофон). Звукорежиссерами записи были Nikos Triantafyllou и Iraklis Vlachakis. Мастеринг записи готовил известный нью-йоркский продюсер Alan Douches, шеф West West Side Studios (в числе многих работавший с Baroness, Cannibal Corpse, The Chemical Brothers, Clutch, Converge, The Dellinger Escape Plan, Fleetwood Mac, Mastodon, The Misfits, Monster Magnet, Sepultura, Swans, Yes и т.д.).

Chickn

Альбом “Chickn” от того, что группа делала каких-нибудь пару лет назад отличается весьма заметно. Не только потому, что это фактически первая профессионально спродюсированная запись коллектива, сделанная в очень высоком качестве звучания. Но прежде всего в силу изменившихся творческих подходов, расширившихся горизонтов восприятия современной музыки и возобладавшего креативно-эклектического переосмысления различных музыкальных традиций. А традиции эти, в свою очередь, относятся уже не только к классическому «семидесятническому» моторик-краут-року и «восьмидесятнической» поп-психоделии, но также к фольклорной и духовной музыке народов Средиземноморья, афро-биту, различным экспериментальным ответвлениям пост-панк, нью-вэйв, арт-рок, спэйс-рок музыки и, конечно, уорлд-фьюжн в различных формах проявления этого субжанра. Приоритетную тему творчества нынешних CHICKN я бы обозначил как креативную селекцию традиционных песенных мелодических гармоний и экзотически окрашенных ритмических рисунков.

Chickn

Отсюда и высокий удельный вес в аранжировках новых песен ударных и перкуссионных инструментов. Мелодико-ритмические и поли-стилистические эксперименты авторов дают, как правило, очень оригинальный и интересный результат. При этом рискованность, напряженность и экстравагантность опытов группы как бы остается «за кадром» – буквально все песни на альбоме, даже самые продолжительные, самые насыщенные, самые нюансированные и т.д., слушаются и воспринимаются очень легко. Фактически музыка CHICKN – это в известном смысле «поп-музыка нового поколения» с этническим, психоделическим и интеллектуальным подтекстом. Она прекрасно звучит в фоновом режиме, не требуя фокусирования. Но если вслушаться и погрузится в нее со всем вниманием, то искушенный меломан откроет в ней множество изумительных и действительно инновационных штрихов – по части и композиции, и аранжировки, и исполнения, и продюсирования.

Chickn

Что касается лирической части, то CHICKN всегда использовали и продолжают использовать английский язык. Ведущий лирик и фронтмен группы Angelos Krallis пишет весьма интересные тексты и поет без сколь-нибудь ощутимого акцента, несмотря на то что английский не является для него родным языком. Вокализирует он в спокойной, ровной, чуть отстраненной, но чувственной манере – повышенной эмоциональностью, драматическим накалом и тональной экстраординарностью его пение не отличается, но звучит его голос в контексте создаваемой музыки очень уместно и органично (как-то неуловимо его пение напоминает мне Jim Morrison…).

Chickn

Для меня альбом стал очень приятным сюрпризом. Признаться, я ожидал, что CHICKN на первом в своей карьере полноформате, как говорится, обобщат лучшие наработки и находки своего «нео-краутового» прошлого. Но, как оказалось, привычные схемы в случае с CHICKN не работают: для коллектива, очевидно, важнее запечатлеть актуальный текущий момент, а то, как этот момент связан с их прошлым, или во что он может трансформироваться в будущем – отставить на суд слушателям и экспертам-летописцам. Блестяще, я бы сказал. Браво, CHICKN! Рекомендую альбом в высшей степени!

P.S. Обращаю внимание, что CD-версия альбома, которую лейбл рассылал как промо, включает 11 треков. Хотя на конверте, как и на виниле, отмечено лишь 10 номеров. 11-трек – это «спрятанный» 4-минутный лоу-фай трек с анонимной вокалисткой.

Слушать/скачивать на Bandcamp | CHICKN на Facebook

среда, 16 ноября 2016 г.

Wild Ripple "Wild Ripple" (2016)

Знакомимся с дебютным одноименным 48-минутным альбомом испанского пауэр-трио WILD RIPPLE.

Wild Ripple

Группа в составе Manolete Blanco (вокал, гитара), Miguel Izquierdo (бас) и Mario Aguilera (барабаны) была создана в Валенсии в 2015 году и только начинает самоутвержадаться в европейском андеграунде.



Играют WILD RIPPLE весьма забористую и колоритную смесь хэви-эйсид-психо и панк-спэйс-рока. Поют, вопреки англоязычному названию, на испанском языке – а вокал интенсивно искажают различными фильтр-эффектами. Есть в программе альбома и моторные темповые боевики, а есть и развернутые импровизированные психо-спэйс-трипы с обилием гитарных эскапад, типа 9-минутного инструментала “Antares” и заключительного 13-минутного дрон-нойз-экспериментала “Outro”.

Wilde Ripple

В целом альбом оставляет очень хорошее впечатление. Релиз как раз для тех, кто в хэви-психоделической музыке, помимо погружений в соответствующее усугубленное состояние сознания, ищет разнообразия форм артистического самовыражения и пресловутой «палп-фикшен» песенной разгульности.

Слушать/скачивать на Bandcamp | WILD RIPPLE на Facebook

вторник, 15 ноября 2016 г.

Epilepsia Alienígena "Feiticeiro Alquimista" (2016)

Выход своего второго альбома под названием “Feiticeiro Alquimista” («Колдун-алхимик») анонсировало в октябре португальское пауэр-трио EPILEPSIA ALIENIGENA из города Визеу.

Epilepsia Alienígena

João Filipe (бас), Flávio El Justiceiro (гитара) и Diogo Silva (ударные, вокал) вместе играть начали в 2014-ом году. Летом прошлого года дебютировали с весьма крепким 25-минутным EP “Bisonte dos 10 pés”, а теперь порадовали любителей хэви-психоделии 38-минутным «лонгпэйем» из 5 композиций.



EPILEPSIA ALIENIGENA по-прежнему держат эстетический курс на винтажный эйсид-психоделический хэви-рок: плотный саунд, солидный рифф-н-грув, изобилие пространных «фар-аут» соло и космо-эффектов. Музыка по большей части инструментальна. В отдельных композициях присутствует, правда, вокал на английском и португальском языках, но в очень скромной дозировке – скорее в качестве своеобразного нарративного дополнения к аудио-картинке, которую живописует трио.

Epilepsia Alienígena

Мелодические темы, вокруг которых трио строит свои импровизационные трипы, минималистичны, репетитивны и имеют легкий блюзовый оттенок. Главное действующее лицо музыки, как водится в этом субжанре – гитарист. Он, собственно, является главным архитектором музыки с точки зрения ее композиционных и гармонических развитий.

Epilepsia Alienígena

Думаю, что любители импровизационно-инструментальной хэви-психоделии индивидуальное мастерство и гитариста, и его партнеров оценят по достоинству. “Feiticeiro Alquimista” – альбом очень убедительный и показательный. Не сомневаюсь, что уже в ближайшее время записи португальского коллектива вызовут интерес со стороны немецких издателей-винилоделов. Ну а пока оба альбома EPILEPSIA ALIENIGENA, помимо цифры, доступны на самоизданных CD-R.

Слушать/скачивать на Bandcamp | EPILEPSIA ALIENIGENA на Facebook