вторник, 28 февраля 2017 г.

Salvadore Ross "Mystery Head" (2017)

Непросто складывался творческий путь сонграйтера, вокалиста и гитариста Kyle Byrum, проживающего в Дейтоне штата Огайо. Начинался он в 2009 году в местной гараж-рок группе THE WHITE SOOTS. В 2010-ом это трио выпустило одноименный 11-песенный альбом, но вскоре в поисках нового саунда Byrum присоединился к группе THE PROFESSORS. А в 2012-ом учредил новую собственную группу SALVADORE ROSS (названа в честь персонажа одной из киноновелл сериала «Сумеречная зона»), и деятельность его прежнего коллектива была приостановлена. А потом, в связи с кончиной бас-гитариста – и вовсе прекращена…

Kyle Byrum of Salvadore Ross

Часть песен, написанных для так и не выпущенного альбома THE WHITE SOOTS, была переработана в свете художественной концепции SALVADORE ROSS и вместе с новыми вещами вошла в альбом “Mystery Head”, работа над которым в общей сложности заняла шесть лет. На 43-минутном дебютном альбоме SALVADORE ROSS в итоге собрано 10 песен.



Записаны они в составе базового трио Kyle Byrum (вокал, гитары, перкуссия), Kyle Sweney (барабаны; также в группе DELLA ROCCO и др.) и Mike McKewen (бас; группа MAGIC JACKSON) при активном участии Tim Pritchard (педал-стил, клавишные, бэк-вокал), Tom Salvatierra (электроорган; группа THE PROFESSORS) и Dan Stahl (перкуссия). Автор всех песен – Kyle Byrum. Записью и сведением занимался Tim Pritchard. Роль последнего на “Mystery Head” очень важна: если Byrum является идеологом новой художественной концепции, то Pritchard – тем человеком, который ее воплотил в жизнь.

Salvadore Ross

Речь идет о ретро-психоделии, во многом навеянной бит-роком и поп-роком середины 60-х годов и, соответственно, предполагающей реализацию весьма специфического видения ретро-саунда. На смену довольно жесткому и массивному эйсид-гаражному фузз-року THE WHITE SOOTS пришел винтажно-аналоговый поп-психоделик-рок SALVADORE ROSS. Притом что между двумя группами, если говорить о стиле исполнения, очень много общего – особенно в части сонграйтерской и вокальной манеры Kyle Byrum. Из принципиальных отличий отмечу: общее смягчения саунда, обогащение изобразительной палитры за счет использования клавишных инструментов, сокращение в контексте песен продолжительности эйсид-психоделических фузз-соло и некоторое усиление тенденции к исполнению плавных, текучих, балладных ритм-н-блюзовых номеров. Что касается отмеченной в пресс-анонсе «хард-роковости» и «спэйс-роковости» музыки, то не стоит воспринимать это в буквальном стилистическом смысле: речь идет скорее об использовании в аранжировках отдельных песен полновесных гитарных риффов и пространственно-текстурных эффектов.

Salvadore Ross

Из наиболее понравившихся на альбоме вещей отмечу: “Edacity” и “Thief”. Ну и очень неплохо под настроение звучит череда ритм-н-блюзовых баллад – “Black Cat”, “Broken Bones”, “Help Me”, “Escape & Shine” и “Whiskey Song”. В целом – очень симпатичная, качественно сделанная, благостная и ностальгическая ретро-поп-рок музыка. Если вам близка традиция американских «шестидесятнических» групп плана The Turtles, The Monkees, The Lovin’ Spoonful, The Grass Roots и т.п., послушайте обязательно.

Слушать/скачивать на Bandcamp | SALVADORE ROSS на Facebook

понедельник, 27 февраля 2017 г.

Once And Future Band "Once And Future Band" (2017)

Музыка понедельника – вышедший в конце января на независимом калифорнийском рекорд-лейбле Castle Face Records первый полноформатный альбом группы ONCE AND FUTURE BAND из калифорнийского Окленда.

Once And Future Band

ONCE AND FUTURE BAND – это трио Joel Robinow, Eli Eckert и Raj Ojha, которые знакомы между собой более пятнадцати лет. Основатель группы Joel Robinow был приглашенным вокалистом группы Estradasphere, клавишником Drunk Horse (основателем которой был Elijah Eckert), Howlin Rain (в которой играл на барабанах Raj Ojha) и East Bay Grease (в которой играли и Eckert, и Ojha). А когда Robinow решил, что готов вынести на публику свои собственные песни, Eckert и Ojha взялись помочь другу. Так в 2013-ом на свет появился ONCE AND FUTURE BAND, а уже в следующем году трио дебютировало с 4-песенным EP “Brain” (выпущен на виниле лейблом Mouth Magazine Records), с восторгом принятым калифорнийской публикой. В 2015-ом, на волне успеха трио выпустило цифровой релиз “Brain EP Instrumentals and Outtakes”, так же пользовавшийся успехом. Но публика ждала «настоящего альбома», которым и стал 39-минутный одноименник из 7 новых песен.



В записи материала, помимо трио Joel Robinow (вокал, клавишные, гитара, бас), Eli Eckert (бас, гитара, вокал, клавишные) и Raj Ojha (ударные, перкуссия), также приняли участие гитаристы Josh Smith (участник групп The Fucking Chumps, By The End Of Tonight) и Raze Regal (группы Stalkers, Planes Of Satori), известный трубач и духовик Danny T. Levin, вокалистки Yea-Ming Chen и Anna Hillburg (из группы Dreamdate). Звукорежиссурой и продюсированием материала занимался в основном Raj Ojha в собственной студии; мастеринг сдели в известной студии Golden Mastering в калифорнийской Вентуре. В общей сложности работа над альбомом заняла более двух лет.

Joel Robinow of Once And Future Band

С художественно-эстетической точки зрения ONCE AND FUTURE BAND – убежденные ретро-ривайвалисты ритм-н-блюз и поп-рок традиций 60-70х. В этом смысле их эпонимический полноформат – прямое продолжение того, что коллектив представил на дебютном EP. Это яркое и интересное мелодическое сонг-райтерство в комбинаторике элементов поп-рока, классического эр-эн-би, фолка, фанк-фьюжн, джаз-фьюжн, арт-рока, софт-психоделии, ранней синт-оркестрованной электроники и пр. – с очень интересными прото-орекстрованными аранжировками, милыми вокальными гармониями и великолепно спродюсированным звучанием. Меломаны с широким стилистическим кругозором наверняка услышат в песнях трио множество самых различных влияний, интерпретированных с большим вкусом и оригинальностью. От номера к номеру ассоциаций с поп-музыкой рубежа 60-70х возникает все больше и больше: Paul Williams и Allen Toussaint, Bee Gees, Three Dog Night, Steely Dan, Paul McCartney, David Bowie, America, Electric Light Orchestra и Wizard, 10cc, Earth Wind And Fire, Return To Forever, концептуальные синт-оперы Mort Garson и Alain Goraguer и т.д. Прямых ассоциаций по ходу прослушивания рождается так много, что в какой-то момент альбом по содержанию начинает напоминать почти что попурри-пластинку Оркестра Поля Мориа…

Once And Future Band

Послушайте, например, пару-тройку раз открывающую “How Does It Make You Feel?” (к слову, написана она была, по словам авторов, почти семнадцать лет назад) – и все станет понятно… Нет, совершенно не значит, что станет плохо! Скорее всего, станет любопытно, курьезно и «прикольно». А втянувшись в интригу, вы скорее всего дослушаете альбом до конца: не то чтобы откроете для себя что-то новое, но найдете в нем много знакомого и ностальгического – это точно. Отмечу два свойства музыки ONCE AND FUTURE BAND: первое – это «ретроспективная», но не «винтажная» музыка, поскольку сделана она по последнему слову звукоинженерных технологий и с точки зрения постановки звука вполне современна; второе – жанрово-стилистическое соотнесение этой музыки с «прогрессив-роком» и, тем более, c «психоделик-роком» весьма условно и опосредованно. По сути своей это позитивный и интеллигентный «ретро-поп-рок-фьюжн для-взрослых», но влияния софт-рока, арт-рока и даже глэм-рока в нем очень сильны и заметны (хотя прямые аналогии с музыкой Yes, Pink Floyd, King Crimson, Rick Wakeman, Le Orme и Queen – которые фигурируют в пресс-ките, а из него явно перебрались в появившиеся рецензии – лично мне представляются необоснованными).

Once And Future Band

Резюме: качественная и очень слушабельная пластинка, со своей содержательной интригой и не без интересных моментов. Поклонникам ретро-трендов в современной рок-музыке очень стоит послушать… и скептикам, наверное, тоже – как минимум даст повод еще раз покопаться и переслушать поп-рок классику 60-70х…

Слушать/скачивать на Bandcamp | ONCE AND FUTURE BAND на Facebook

суббота, 25 февраля 2017 г.

Into Orbit "Unearthing" (2017)

Завершим «инструментальную» обзорную неделю анонсом нового альбома новозеландской инструментальной пост-метал группы INTO ORBIT из столичного Веллингтона.

Into Orbit

INTO ORBIT – это дуэт гитариста Paul Stewart и барабанщика Ian Moir. Сложился он в 2013 году, хотя до этого музыканты года четыре играли вместе в различных местных коллективах. В 2014-ом дуэт собственными силами спродюсировал и опубликовал дебютный альбом “Caverns”, а в первых числах февраля с.г. выпустил на компакт-дисках второй альбом “Unearthing”.



41-минутный альбом включает 8 инструментальных композиций в стилистике экспериментал-метал (или пост-метал или шугейз-метал) с девиациями в эмбиент-рок и прог-рок. Минималистские репетитивные мелодические темы, переходы от меланхолично-статичных состояний к бурно-эмоциональным, чередования атмосферного дрон-нойз скейпинга с агрессивно-громоподобными риффовыми атаками, множественные тремолло и нойз-текстурные эффекты, превалирование угрюмых, тоскливых и потерянных настроений… В общем, ничего выходящего за рамки канона подобной музыки, сложившегося еще в 90-е, INTO ORBIT не предлагают. Хотя поклонников у такой музыки и сейчас много.

Into Orbit

“Unearthing” в сравнении с дебютом – работа более фокусированная и, как мне показалось, более жесткая и напряженная, с усугубленной и мрачноватой аурой, а также более разнообразная в содержательном отношении. Да и спродюсирована она чуть лучше. Так что, если интересуетесь «шугейзовым» инструментальным пост-хэви, послушать стоит.

Слушать/скачивать на Bandcamp | INTO ORBIT на Facebook

пятница, 24 февраля 2017 г.

Djam Karet "Sonic Celluloid" (2017)

27 января анонсировали свой новый студийный альбом ветераны американской инструментальной рок-сцены – базирующаяся в калифорнийской Топанге, группа DJAM KARET.

Djam Karet

“Sonic Celluloid”, выпущенный, как и все релизы последних семи лет, на собственном рекорд-лейбле HC Productions, – восемнадцатый альбом, согласно официальной каталогизации релизов группы, которая за тридцать с лишним лет деятельности известна сейчас, пожалуй, каждому меломану, увлекающемуся современным рок-инструменталом. Новых записей DJAM KARET не публиковали без малого три года: их семнадцатый альбом “Regenerator 3017” выходил в феврале 2014-ого и был вполне неплох (см. заметку), а последний альбом “Swamp Of Dreams”, выпущенный в октябре 2015-ого, являлся сборником малоизвестных широкой публики «эксклюзивов» 1990-2006 годов (см. заметку). Так что, 10 новых инструментальных композиций группы, составивших 45-минутный альбом – как раз то, чего явно заждались поклонники.



Звукорежиссурой и продюсированием материала занимался Gayle Ellett – что сюрпризом не стало. А вот то, что DJAM KARET на этом альбоме фактически представлены дуэтом Gayle Ellett (гитары, бузуки, клавишные, синтезаторы) и Chuck Oken, Jr. (барабаны, клавишные, электроника) – это до некоторой степени неожиданность. Другие участники группы на альбоме появляются лишь эпизодически: Mike Henderson (гитара) играет в 2 номерах, Henry J. Osborne (бас) – в 6 номерах, Aaron Kenyon (бас) – в 1 номере, а Mike Murray (гитара) – в 2 номерах (и еще в 1-ом в качестве пианиста; он же выполнил и оформление альбома). Любопытно, что работать дуэтом Gayle Ellett и Chuck Oken, Jr. начали в 2007 году, а результаты их совместного творчества были впервые представлены в 2015-ом – на альбоме “The Waiting Room” экспериментал-эмбиент проекта UKAB MARED. Но вот опыты тандема получили продолжение.

Gayle Ellett

Полагаю, что с творчеством Gayle Ellett для кинематографа (он написал музыку к более чем 50 телевизионным проектам, включая саундтреки к фильмам “Year Of The Dog”, 2007 и “Everything Must Go”, 2010, а также к сериалам “General Hospital”, “Next”, “Strange Sex” и многим другим), а также с его участием в различных сайд-проектах (прежде всего, THE MASKIT и FERNWOOD) художественная концепция альбома “Sonic Celluloid” связана самым тесным образом. Пресс-релиз обозначает ее формулой «звук – как кино», и каждая пьеса на альбоме преподносится, соответственно, как «киноминиатюра, формируемая в сознании слушателя». Свои композиции авторы называют «миниатюрами», очевидно, в силу относительно невысокой продолжительности звучания вещей на альбоме – в хронометраже от 3 до 6 минут.

Chuck Oken, Jr. of Djam Karet
Открывает альбом самая продолжительная пьеса – “Saul Says So”, звучание которой немного заходит за 6-минутный рубеж. В плане стилистики это мелодичный инструментальный эклектик-прог-фьюжн с расслабляющей «нью-эйджистской» аурой. DJAM KARET соединяют в единую композиционно-художественную целостность пространственный синт-эмбиент, электронно-программированные ритм-секвенции, мягкий рок-грув и сольные партии акустических и электрических гитар. В той или иной степени все эти ингредиенты представлены и в двух последующих номерах – “Forced Perspective” и “Long Shot”. Каждая из этих трех пьес имеет четкий и довольно простой мелодико-ритмический рисунок, от которого музыканты практически не отклоняются – если и импровизируют то строго на-тему. Играет коллектив легко, непринужденно и изящно – аккуратно складывает мозаику аккордов, плетет ажуры акустики и электроники, со знанием дела создает умиротворенно-позитивистское настроение.

Djam Karet
На четвертом альбомном треке “No Narration Needed” авторы интеллигентно сворачивают экстраполяции в рок и фьюжн, дабы пригласить слушателя в неторопливое путешествие по загадочно мерцающим просторам музыкального эмбиент-скейпинга: муги, меллотроны, хаммонды, родесы… в отдельных фрагментах фолк-инспирированная струнная и духовая акустика… электронные секвенции, поддерживающие ритмическую организацию… коротенький авторский нарратив на “Numerous Mechanical Circles”… звуки волн и крики чаек на “Oceanside Exterior”… В какой-то момент погружение в синт-эмбиент приобретает черты просвещенного нью-эйджа: треки “Au Revoir Au Reve”, “Flashback” и “Lower” ласкают и убаюкивают, явно способствуя «раскрепощению сознания и расслаблению тела». Мечтательность и романтизм созвучий не исключает, однако, загадочно-тревожных интонаций, которые нет-нет да и проскользнут в возвышенных сольных пассажах электро-гитар и органов… Ну а завершают свой альбом DJAM KARET все же в «прогрессивной» рок-стилистике треком “The Denouement Device”, который, впрочем, окончательно освободить от нью-эйджистского томления все же не сможет.

Djam Karet
Возвращаясь к тезису о «синематическом» характере музыки нового альбома DJAM KARET, я бы сказал, что, пожалуй, более очевидным этот характер становится на треках с 4-ого по 10-ый. И «синематизм» этот имеет стилистическую форму нью-эйджа – вполне завершенную и самодостаточную, то есть по большому счету не требующую ни зрительно-визуального образного ряда, ни созидательного включения воображения у слушателя для условного «достраивания» образов музыки в сознании. Спродюсирован материал прекрасно – как, собственно, того и требует сам субжанр синематик-рок-эмбиента, построенного на многослойном текстурировании саунда и, как в случае с этой работой, нюансированного в многочисленных электро-акустических деталях композиционно-аранжировочного контекста. Можно слушать в наушниках для достижения эффекта полного погружения в музыку, но и фоном альбом тоже слушается вполне неплохо.

Djam Karet
“Sonic Celluloid” – это отнюдь не первый альбом в дискографии DJAM KARET, обращенный преимущественно к эмбиенту, нью-эйджу и электронной музыке (достаточно вспомнить тот же “Collaborator” 1994 г.). И, наверное, к чему-то подобному, принимая во внимание сольные опыты участников группы, я подсознательно был готов… Отказ от шаблонности в творчестве и способность коллектива на тридцать третьем году существования к неожиданным стилистическим девиациям – не могут не восхищать. Но все же чуточку жаль, что коллектив свои творческие девиации нового времени связывает не с инновационными формами и содержаниями, а, напротив, – со смягчением и даже отказом от сколь-нибудь острых и провокационных художественных вызовов. “Sonic Celluloid” – это альбом для тех, кто ценит в инструментальной музыке профессионализм, качество, респектабельность, артистизм и полистилизм, но при этом не приветствует проявлений в формах и содержаниях экспериментально-авангардного радикализма. Для такого слушателя новая работа DJAM KARET может стать настоящим подарком и занять место в числе «топовых» инструментальных альбомов года.

Слушать/скачивать на Bandcamp | DJAM KARET на Facebook

четверг, 23 февраля 2017 г.

Last Builders Of Empire "Hades" (2017)

Продолжим анонсом нового альбома инструментальной экспериментал-рок группы LAST BUILDERS OF EMPIRE из городка Пибоди штата Массачусетс.

Last Builders Of Empire

Организовали группу в 2010 году барабанщик Rich Reed, гитаристы Dan Mandino и Jesse Danger, бас-гитарист и контрабасист Chris Duston. Объединила эту четверку страсть к текстурированию звука и к экспериментам с композиционными структурами, а также к музыке канадцев Do Make Say Think и прочих «пост-роковых», как их привыкли называть, исполнителей. В дискографии неразлучного квартета два полноформатных студийных альбома, связанных единой темой – войны и ее катастрофических для цивилизации последствий: “Without Remorse” (2012) и “Post-War” (2014). Новая, третья в дискографии работа квартета – это 24-минутный EP “Hades” (Гадес или Аид).



Составляющие ее 5 инструментальных пьес, вдохновлены на этот раз не военной тематикой, а греческой мифологией (отсюда альтернативные названия всех композиций на греческом языке), причем относящейся к жизни подземного царства. Само построение EP призвано отразить различные аспекты условного путешествия по царству Аида. Сопровождать базовый квартет в этом приключении взялись гости: Chris Baum (скрипка), Walt Bostian (тромбон) и Jay Daly (труба, флюгельгорн). Записывалась и продюсировалась запись на высоком уровне современной аналоговой звукорежиссуры.

Last Builders Of Empire

Собственно, расширение арсенала изобразительных средств, некоторое усложнение аранжировок, условная оркестрация саунда и наращивание текстурных объемов – это главное достижение “Hades” и его отличие от предшествующих записей. Что же касается самой музыки, то за рамки некогда согласованного авторами эстетического ориентира на канонический экспериментал-рок или пост-рок «канадской школы» 90-х годов LAST BUILDERS OF EMPIRE не выходят. Сей факт несколько удручает, поскольку были все основания надеяться, что коллектив сумеет сделать что-то индивидуально особенное. Но получилось скромно и как-то уж очень лаконично.

Last Builders Of Empire

Впрочем, сие ничуть не означает, что “Hades” – работа слабая или проходная. Как раз напротив. Совершенно очевидно, что LAST BUILDERS OF EMPIRE на месте не стоят, развиваются и поклонников скейп-экспериментального рока вполне могут радовать.

Слушать/скачивать на Bandcamp | LAST BUILDERS OF EMPIRE на Facebook

среда, 22 февраля 2017 г.

Zobomazé "Zobomazé" (2017)

В неизменном составе с 2008 года функционирует в Денвере штата Колорадо инструментальная прог-метал группа ZOBOMAZÉ.

Zobomazé

Но лишь в этом году Doug Litvak (гитара), Zach Simms (саксофон, клавишные), Sean Dandurand (бас) и Michael Paff (барабаны) подвиглись на выпуск дебютного альбома. Одноименный 28-минутный EP, включающий 6 композиций, выпущен коллективом на малотиражных дисках в начале февраля с.г.



ZOBOMAZÉ играют отличного качества композиционный, прото-оркестрованный инструментальный прог-фьюжн-метал с солирующим саксофоном. Большинство пьес на EP – это вполне красиво-благозвучные, прогрессивно-мелодичные вещи с акцентированными девиациями в джаз-фьюжн (например, “Fractal Vision”, “No Good Deed Goes Unpunished”, “Driftwood Palace”, “Shades of Neighb”), но встречаются и более зло-металлизированные, жестко-диссонантные номера (“I Saw The Ghost”, “Grey Poupon”).

Zobomazé

Но в каком-бы ключе не музицировал квартет, получается очень интересная, живая, содержательная и богатая оригинальными идеями прог-музыка. Которая отличается многочисленными динамическими сдвигами, неожиданными композиционными поворотами и развитиями, роскошными перекличками-интерсекциями саксофона и электрогитары, и весьма самобытным художественно-сочинительским видением авторов (которое, к слову в заключительной композиции ненадолго увело их куда-то в область афро-трайба).

Zobomazé

Миньон очень понравился. И традиционно я могу лишь посетовать на скоротечность пластинки. Очень надеюсь, что ZOBOMAZÉ все же сделают настоящий полноформат, пусть даже объединив вещи с дебютного EP с новыми записями (и на это им не понадобится еще девяти лет). Поклонникам действительно интересного инструментального прог-фьюжн рекомендую настоятельно.

Слушать/скачивать на Bandcamp | ZOBOMAZÉ на Facebook

вторник, 21 февраля 2017 г.

Coyote Man "Coyote Man" (2017)

Coyote Man

Некто Augie Portugal (гитара, бас, клавишные), Terry Lee Jones (бас) и Ian Wheeler (ударные) из Чикаго, штат Иллинойс вместе играть начали еще в 2002 году. Выступали и записывались под названиями Life Dos, What Once Was и Venue X. В 2015-ом единодушно решили назваться COYOTE MAN, а в последний день января с.г. представили публике свой дебютный одноименный альбом: 8 инструментальных композиций, 43 минуты звучания.



Записан и спродюсирован материал в профессиональной студии Chicago Sound Lab. Звук на альбоме поставлен весьма качественно. Что касается стилистики музыки, то COYOTE MAN практикуют модерн-прог-метал – в монументальных композиционных формах, в прото-симфонических аранжировках и с использованием в контексте атмосферно-скейповых пассажей. Отмечу, что, ориентируясь по сути на технично-виртуозный прог-метал, трио старается избегать характерной для этого субжанра показательно-атлетической исполнительской гимнастики и придерживаться образно-мотивированной манеры изложения.

Coyote Man

Жесткие динамические фрагменты, когда того требует характер пьесы и ее центральный образ, весьма органично чередуются с более мягкими, расслабленно-созерцательными эпизодами. Augie Portugal, которого я бы назвал главным «созидателем» и «режиссером» разворачивающегося действа, – весьма компетентен и как гитарист, и как клавишник. Ритм-секция драматургический контекст музыки чувствует прекрасно – играет гибко, вариативно и со вкусом, не только обеспечивая надлежащую грувовую основу музыки, но и по возможности украшая ее интересными динамическими ходами. В плотный электрифицированный контекст аккуратно инкорпорированы акустические виньетки – гитары, рояля, перкуссий.

Coyote Man

Альбом очень ровный, цельный, прекрасно сбалансированный. Выделять что-то в качестве наиболее удачных номеров смысла не вижу: все композиции равно высокого композиционного и исполнительского уровня. На мой взгляд, COYOTE MAN сумели сделать достаточно интересный и слушабельный альбом для широкого круга любителей «мелодического прога по-жестче». Стоит послушать.

Слушать/скачивать на Bandcamp | COYOTE MAN на Facebook

понедельник, 20 февраля 2017 г.

Anxtron "Jellyfish" (2017)

Отрадный факт – среди новинок января-февраля этого года очень много инструментальной рок-музыки. По-разному окрашенной стилистически, но в исключительно инструментальных формах самовыражения исполнителей. В-общем, вся предстоящая неделя будет посвящена инструментальным рок-новинкам. Начну ее с нового альбома бразильской прог-группы ANXTRON из города Нитерой в штате Рио-де-Жанейро.

Anxtron

Основана она была в 2003 году и с того времени, несмотря на случавшиеся внутренние сложности, состав ее оставался неизменным: Eduardo Marcolino (гитара), Rafael Marcolino (ударные), Gabriel Aquino (клавишные) и Gabriel Souza (бас). В 2008-ом квартет дебютировал с одноименным 37-минутным альбомом; в 2013-ом выпустил второй полноформат “Brainstorm”; в 2015-ом приступил к работе над новым материалом, который благополучно обнародовал в конце января с.г. как третий полноформатный альбом “Jellyfish”.



40-минутный альбом, выпущенный на компакт-дисках, включает 8 инструментальных пьес. На одной из них в качестве гостя соло сыграла израильско-американская гитаристка Nili Brosh. Как и на предшествующих записях, ANXTRON играют инструментальный композиционно-мелодический прог-фьюжн – стройный, ладный, благозвучный и позитивный. Композиционные построения квартета не сложны, мелодические темы понятны и хорошо читаемы, аранжировки изобилуют ажурными плетениями гитарно-клавишных интерсекций, и общий грувовый тонус музыки достаточно высок. Коллектив явно предпочитает сочинять и исполнять музыку энергичную и динамичную, но спокойные номера романтического свойства тоже делать умеет.

Anxtron

Во многих номерах этого альбома сильнее чем прежде артикулируются влияния на музыку квартета традиции национального «бразильского джаза» 50-60х – не только «босса-новы», но и иных стилистических селекций «кул-джаза Западного побережья» с латино-американскими ритмами. Аккуратность и тонкость подхода ANXTRON к наследию джаз-фьюжн музыки очень понравились. А пьесы “Toca Do Lagarto”, “Armadillo Inc.” и “Furry Creatures From Alpha Centauri” я бы причислил к высшим сочинительским и исполнительским достижениям бразильского коллектива вообще. Подчеркнув, однако, что слабых и проходных «филлеров» на альбоме нет – все собранные на нем номера весьма высокого художественного уровня.

Anxtron

Резюме: “Jellyfish” – однозначно самый сильный и интересный альбом ANXTRON на сегодняшний день, в большей степени «про-джазовый», чем прежние записи группы. Новых горизонтов эта работа, конечно, не открывает. Но тех, кто в прог-фьюжн музыке ценит оригинальную мелодичность и органическую простоту, альбом порадовать очень даже может. Попробуйте.

Слушать/скачивать на Bandcamp | ANXTRON на Facebook

пятница, 17 февраля 2017 г.

Collapse "Sleep In Me" (2017)

20 января с.г. свой новый альбом представила публике французская инструментальная рок-группа COLLAPSE из Гренобля.

Collapse

Не путайте этот коллектив с известной парижской электро-индастриал группой, выступающей под аналогичным названием с начала 90-х. Гренобльское комбо COLLAPSE создано было в 2011 году. С того времени выпустило собственными силами полноформатные альбомы “Collapse” (2011) и “The Fall” (2013), а также цифровой миньон с аут-тейками “B-Sides” (2013). Группа ведет довольно активную гастрольную деятельность. Что, не говоря уж об имевших место кадровых модификациях, и обусловило, возможно, долгосрочность работы над новым материалом.



Отмастеренный в знаменитой лондонской студии Abbey Road и выпущенный, как и предшествующие работы, собственными силами на компакт-дисках, третий студийный альбом коллектива называется “The Sleep In Me” и включает 7 инструментальных композиций совокупной продолжительностью 49 минут. Записан он составом: Sébastien Pierron (гитары, программирование), Anthony Barruel (ударные), Alexis Osseni (бас) и Vincent Coutellier (пианино, синтезатор, ксилофон, маримба). Вдохновлен альбом различными проявлениями «парасомнии», то есть всевозможными двигательными, поведенческими и вегетативными феноменами, возникающими во время сна… типа синдрома беспокойных ног, ночных кошмаров, сонного паралича, сноговорения, ночных спазмов, бруксизмов, энурезов, храпов, апноэ и прочим букетом прелестей, которые мы за собой даже можем и не замечать…

Collapse

Не торопитесь, однако, делать выводы о характере творчества коллектива. Ибо играют COLLAPSE музыку вполне «человечную» – не какие-то там индустриально-экспериментальные или блэк-авангардные ужасы, а вполне мелодичный и гармоничный инструментальный пост-прог-рок, причем выраженного психологического и синематического характера (среди главных своих вдохновителей гренобльский коллектив называет группы Porcupine Tree, Archive и Mogwai). Музыка COLLAPSE – это музыка четких и стройных структурно-композиционных построений, а также множественных динамических сдвигов, непосредственно связанных с перенесением в музыку широкого спектра эмоций – от умиротворенно-расслабленных до беспокойно-возбужденно-напряженных. Собственно, каждый номер у квартета – это своеобразная психологическая сценка, в которой лирический герой переживает то или иное состояние души и тела, а то и последовательный переход из одного состояния в другое.

Collapse

Каждая пьеса на “The Sleep In Me” сопровождается соответствующим визуальным рядом. Но совершенно точно зная, какую сцену живописуют в музыке, авторы, между тем, оставляют за слушателем широкий простор для выстраивания собственных ассоциативных связей и отождествления предлагаемых музыкальных образов с собственными эмоциями и переживаниями. Музыка COLLAPSE не слишком сложна, но очень выразительна и проникновенна – даже слушая фоном, невольно попадаешь под ее влияние-магию и начинаешь испытывать необъяснимую грусть-тоску или, напротив, подъем-эйфорию. Задумано и исполнено все мастерски; звучание спродюсировано блестяще. Альбом слушается в красивой синематической саунд-трековой целостности, с плавными и изящными переходами от одной психологической сценки к другой. Неторопливое изложение странностей, происходящих с лирическими героями во время их пребывания в царстве сна, прерывается лишь единожды – миниатюрой “Horla”, которая представляет собой двух с половиной минутный сэмпло-нарратив на английском языке.

Collapse

Резюме: весьма благозвучный, интересный и эффектный альбом. Чем-то напомнил отечественный Human Factor. Поклонникам композиционно-инструментальных форм рок-музыки и психологического синематик-рока рекомендуется безоговорочно.

Слушать/скачивать на Bandcamp | COLLAPSE на Facebook

четверг, 16 февраля 2017 г.

Ephedra "Can'- Ka No Rey" (2017)

При поддержке итальянского рекорд-лейбла Argonauta Records свой второй альбом выпустило щвейцарское инструментальное хэви-комбо из Цофингена EPHEDRA.

Ephedra

Группа EPHEDRA была создана в 2012 году участниками коллектива под названием BALLS OF STEEL – бас-гитаристом Kilian Tellenbach и барабанщиком Tomi Roth. Вскоре к ним присоединились гитаристы Andy Brunner и Roman Hüsler. В 2013 квартет выпустил 66-минутный одноименный дебютный альбом. Попутешествовав по странам Европы с концертами и пообщавшись с многими известными хэви-исполнителями, музыканты EPHEDRA вернулись в студию и «вживую» записали 12 новых номеров, составивших 53-минутный альбом “Can'- Ka No Rey” (буквально «Красные поля Ноуна», или «Поле красных роз» из цикла «Темная Башня» Стивена Кинга).



Участники группы стилистику своей музыки обозначают как «рок-река»… Наверное, в силу того, что их хэви-рок, как полноводная река, течет сильным и уверенным потоком, бывает что неспешным и завораживающим, но чаще бурлящим яростным неистовством… Но если без аллегорий, то EPHEDRA, как и четыре года назад, играют полностью инструментальный, мощный и энергичный, риффовый и грувовый, твин-гитарный хард-н-хэви. Есть в нем и от стоунера, и от гранжа, и от всякой прочей хэви-альтернативы. А вот от «спэйс-рока», хотя авторы и используют этот тэг-термин, в их музыке с точки зрения стилистики нет, увы, ничего.

Играют EPHEDRA слаженно и четко, гитарные гармонии ведут уверенно, грув держат в хорошем тонусе… но вот композиционные построения номеров все же несколько прямолинейны и схематичны. От этого многие номера похожи один на другой, несмотря на то, что для каждой своей вещицы авторы придумывают оригинальный мотив. В качестве наиболее удачных на альбоме назову пьесы “Vicious Circle”, “Coco Mango Soup” и “Southern Love” – мне они показались менее «заштампованными», если угодно.

Хотя это все, безусловно, дело вкуса… Думаю, что поклонники мускулисто-брутального «байкерского» хард-н-хэви найдут для себя на альбоме гораздо больше стимулов – по крайней мере для достойного клан-райдинга на пустынном шоссе. Пробуйте, одним словом.

Ephedra

Слушать/скачивать на Bandcamp | EPHEDRA на Facebook

среда, 15 февраля 2017 г.

Kungens Män "Bränna Tid" (2017)

«Живой» импро-инструментальный краут-рок моторик играют, конечно, не только в Германии. Например, шведский рок-андеграунд в части конкуренции с немецкой краутрок-элитой вполне может гордится достижениями группы KUNGENS MÄN.

Kungens Män

Создана она была в Стокгольме в 2012 году и с того времени в цифре обнародовала два десятка полновесных альбомов, записанных то «живьем-в-студии», то на концертах и почти всегда с гостевыми музыкантами, дабы придать каждому альбому индивидуальный флер. Перечислю только те, что на сегодняшний день выходили на физических носителях: “Hissmusik” (2013, кассета, хронологически 2-ой альбом), “Spelar I Evighet. Amen” (2015, CD-R, 16-ый альбом), “Diskbänksockultism” (2015, CD-R, 17-ый альбом), “Förnekaren” (2015, CD-R и 2LP, 18-ый альбом), “Stockholm Maraton” (2016, CD-R и 2LP, 19-ый альбом) и “Bränna Tid” (2017, ‎CD-R). Начиная с 18-ого альбома, KUNGENS MÄN издаются при поддержке германского лейбла Adansonia Records.



“Bränna Tid” включает три продолжительных трека (“K-rauta”, “Ring så spelar vi”, “Third War Three”) и длится чуть дольше 40 минут. Исполнено все базовым составом группы: Hans Hjelm (гитара), Mattias Indy Pettersson (барабаны), Mikael Tuominen (гитара, вокал) и Magnus Öhrn (бас). При участии Peter Erikson (синтезатор в первых двух треках) и Tomas Bergstrand (гитара в первом треке). Запись, сведение и мастеринг: Mikael Tuominen.

Kungens Män

Никаких примечательных отличий от эпического прошлогоднего альбома “Stockholm Maraton” лично я на “Bränna Tid” не заметил. KUNGENS MÄN на нынешнем этапе своего творчества исполняют хрестоматийный моторик-краутрок в исконной первозданной чистоте стиля, и никаких девиаций в джаз-фьюжн или экспериментал-дрон-нойз (которые можно было услышать на записях 2013-14 годов) уже не практикуют. Их пьесы – это симбиоз разнотемповых, неспешно пухнущих в объемах ритмических бит-грувовых пульсаций… минималистских переборов гитар, ведущих меж собой долгий неспешный диалог-перекличку; потом одна из гитар вливается в общий грувовый поток… зудящих отзвучий аналогового синтезатора на задних планах… Общие композиционные картинки довольно статичны: какие-либо сущностные композиционные развития практически отсутствуют, а формы остаются намеренно незавершенными… Во втором ипро-джеме один из гитаристов добавляет в общий инструментальный контекст вокализ – далекий и тоскливый.

Kungens Män

Собственно, это все… Музицирование KUNGENS MÄN бессмысленно оценивать с позиции традиционной музыкальной художественности. В первую очередь это ритуал – эдакое современное урбанистическое шаманство (такое же по сути как и у их немецких коллег из Knall), позволяющее на время забыть «кто ты», «где ты» и «зачем ты». В этом смысле шведский коллектив очень хорош, а их “Bränna Tid” вполне эффективен. Все тем же поклонникам «живого» моторик-краутрока посвящается и рекомендуется всенепременно.

Слушать/скачивать на Bandcamp | KUNGENS MÄN на Facebook

вторник, 14 февраля 2017 г.

Knall "Raubkatze Auf 12 Uhr" (2017)

Уже более пятнадцати лет существует в Кельне своеобразная артель «любителей импровизационно-психоделического инструментального музицирования» под названием KNALL. Известными участниками ее являются: некто Jonas Paulssen, Slim Nezquik и Christoph Geiger – в качестве бас-гитаристов; Chris Becher, Clockwork Berno и Dennis Gockel (со-учредитель группы Weltraum, участник Space Invaders) – в качестве барабанщиков. А возглавляет сообщество гитарист Baal Brain (который также был замечен в составе Space Invaders, Weltraum и еще нескольких формаций).

Baal Brain of Knall

Иногда участники KNALL играют и записываются под названием KANTHOLZ TO BURN, но сути художественно-музыкальной концепции это особо не меняет. Записей в стилистике импро-инструментальный «сиюминутный» эйсид-краутрок у артели очень много. Однако оформлять их в альбомы Baal Brain и Ко начали лишь в 2012 году: тогда в цифре были выложены альбомы “Total Untertitelt” и “The Twin Of Baal” (в 2015 выпущен на виниле лейблом Krauted Mind Records), за ними последовали “Eternity” и “Compliments For Fishing”. В 2015-ом KNALL присоединились к рекорд-лейблу Tonzonen Records, на котором были выпущены: формально пятый альбом “Knall” (2015, винил), шестой альбом “Alienfunk” (2016, винил и компакт-диски) и в первый день февраля – седьмой, соответственно, альбом “Raubkatze Auf 12 Uhr” (2017).



79-минутный “Raubkatze Auf 12 Uhr” включает 8 инструментальных джемов, записанных в составе квартета: Buddha Jonas (бас), G-homme (бас), Dns Gkl (барабаны) и Baal Brain (гитара). Исполнено и записано (звукорежиссер Matt Korr) все, разумеется, в режиме «лайв-ин-студио», без каких-либо овердабов и аудио-инженерных ухищрений. С точки зрения стилистики, форм и содержаний “Raubkatze Auf 12 Uhr” от прочих записей-альбомов KNALL особо не отличается: ритм-секция разгоняет и нагнетает ритм-н-грув, гитарист кружит-жужжит-скрежещет-стенает-вещает… все в традиционной «краут-роковой» моторике и с обилием всевозможных космо-психоделических вертиго-эффектов.

Knall

Поскольку бас-гитаристов, разделяющих между собой частотный диапазон, в KNALL двое (один играет в совсем низком спектре частот, другой – повыше), то в моменты их синхронизации плотность и масса музыки заметно наращиваются, и квартет буквально расплющивает остатки осознанного восприятия происходящего, заставляя слушателя воспринимать музыку исключительно на уровне подсознательно-интуитивном. Если не сопротивляться и оставить попытки связать музицирование квартета с какой-либо композиционно-художественной образностью, то импровизации KNALL вас захватят и поглотят… музыка, как бы вы ее не воспринимали, перестанет быть музыкой и превратится в первобытное ритуальное шаманство – верный проводник к истинному познанию себя и окружающего. В конце концов и «окружающего» никакого не останется – будете только Вы и Ваши представления о всем прочем и о себе в этом прочем… Ну да ладно, все это, как вы понимаете, дело сугубо личностное и даже подличностное…

Knall

С точки зрения эффектности и эффективности каждая новая запись KNALL лучше предыдущей. Причем не только с точки зрения постановки звучания в отношении частотного распределения, объемности и панорамности, но и в смысле развития-совершенствования каких-то ранее неапробированных импровизационных фигур. Вроде бы коллектив играет в очень хорошо известных и знакомых формах, но те, кто действительно старается быть в курсе современных трендов в краут-музыке и слушает этой музыки регулярно и много, индивидуальность и особую магию группы не заметить просто не могут.

Knall

Я бы сказал, что за последние пару лет KNALL заняли очень прочные позиции в элите современного немецкого «нео-краутового движения» (среди Vibravoid, Electric Orange, Zone Six, Weltraum, Space Debris, Space Invaders, Ax Genrich & Band и иже с ними), и составить им конкуренцию сейчас очень сложно. Предыдущий альбом “Alienfunk”, записанный в ходе выступления KNALL на фестивале «Монстры Краутрока» в баварском Вюрцбурге, был очень хорош. “Raubkatze Auf 12 Uhr”, на мой взгляд, еще лучше и интереснее. Это едва ли не лучший на сегодняшний день альбом KNALL. Поклонникам «живого» моторик-краутрока игнорировать его никак не должно. Настоятельно рекомендую.

Слушать/скачивать на Bandcamp | KNALL на Facebook

понедельник, 13 февраля 2017 г.

Gorilla Mask "Iron Lung" (2017)

Столичный Берлин – воистину кипящий жизнью международный центр современного актуального искусства, в том числе и музыкального. Сообщество североамериканских музыкантов в этом городе достаточно велико и интересно. Те, кто следит за деятельностью R.A.I.G. Records, наверняка уже познакомились с базирующимися в Берлине американскими группами Alex’s Hand и Medulla. Сегодняшняя заметка – о канадском саксофонисте Peter Van Huffel и его берлинской группе GORILLA MASK, выпустившей в январе свой третий альбом на португальском рекорд-лейбле Clean Feed Records.

Gorilla Mask

38-летний Peter Van Huffel – фигура на современной авант-джаз-роковой сцене довольно заметная. Его первая запись вышла в 2003 году и с того времени музыкант – сольно и в составе различных международных ансамблевых формаций – выпустил уже девятнадцать альбомов. Он является создателем и лидером коллективов PVH Quintet и PVH Quartet, Gorilla Mask, House Of Mirrors и HuffLiGNoN, Boom Crane, Hum, The Scrambling Ex и Kronix, а так же участником составов The Suite Unraveling, Kenosha Kid, Animal Forum и Meinrad Kneer Quintet. Трио GORILLA MASK в составе Peter Van Huffel (альт-саксофон), Roland Fidezius (бас, эффекты) и Rudi Fischerlehner (барабаны) свою деятельность начало в 2009 году в Берлине. Выпустило два альбома, которые получили очень высокую оценку в «джазовых» и «авангардных» медиа: “Howl!” (2012) на немецком лейбле Between The Lines Records и “Bite My Blues” (2014) на португальском Clean Feed Records. 43-минутный альбом “Iron Lung” – соответственно, третий релиз группы.



9 инструментальных номеров для альбома (если считать и бонус-трек “Chained”) записывались и сводились ровно год назад в берлинской студии Golden Retriever (звукоинженер Christian Heck) неизменным составом трио. Мастеринг альбома готовился в США – необычайно востребованным в международном хэви-андеграунде саунд-продюсером James Plotkin (участник групп Khanate, Lotus Eaters, Khlyst, Jodis и др.). Кстати, немецкие участники GORILLA MASK – тоже довольно известные музыканты. Бас-гитарист и контрабасист Roland Fidezius – автор нескольких сольных записей, участник групп The Aquanomics, So.Weiss, Oddshot, Kenosha Kid, The Occasional Trio, Call Me Cleo, всевозможных джазовых формирований и филармонических оркестров. Барабанщик Rudi Fischerlehner – участник групп Xenofox, RMF, Parrot’s Feathers, Fiium Shaarrk и других проектов. Что касается участия в GORILLA MASK, то Roland Fidezius и Rudi Fischerlehner сосредоточены исключительно на исполнительской части, оставляя сочинительство музыки за Peter Van Huffel.

Gorilla Mask

Несмотря на то, что музыку GORILLA MASK нередко ассоциируют с импровизационным фри-джазом, трио исполняет композиционную инструментальную джаз-музыку в стилистике, которую правильнее было бы обозначать как «джаз-кор» (если угодно, «джаз» в широком спектре направлений с очень сильным влиянием «панк-хардкора»). Структурная форма каждой композиции на “Iron Lung” весьма жесткая, но при этом индивидуальные партии ударных, бас-гитары и, конечно, саксофона допускают достаточно вольное исполнение, то есть импровизацию в формате структуры, при этом импровизацию довольно лукавого и саркастичного характера. От номера к номеру музыка GORILLA MASK мутирует и приобретает новые художественные свойства: открывающий “Hammerhead” звучит почти как номер из репертуара The Flying Luttenbachers середины 90-х (разве что менее нойзово-искаженно и агрессивно); риффовый “Before I Die” – будто панк-джазовая пародия на Deep Purple “Burn” (вслушайтесь в рифф бас-гитариста), изувеченная довольно продолжительным импровизационным хаосом; рвано-лоскутная “Thump!” уводит в запредел прогрессивного авант-фьюжн; а “Crooked”, с ее тоскливой мелодической темой саксофона, накатывающими волнами гонго-терапии и гипнотическими звяканьем-перестуком перкуссионной акустики, вгоняет в какую-то транс-медитативную психоделическую прострацию; еще один энергичный риффовый номер, “Blood Stain” наводит на мысли, что если бы солировал на саксофонист, а гитарист с фузз-эффектом, то это был бы бесподобный хэви-эйсид-психо-рок… Ну да не буду «пересказывать» весь альбом.

Gorilla Mask

GORILLA MASK очень вариативны и вариабельны, очень оригинальны и непредсказуемы. Каждый номер на альбоме – это сюрприз и загадка. Выделить какой-то один – я не возьмусь. Понравилось все – от первой и до последней минуты. Это притом что ярым поклонником авант-джазовых форм музицирования я не являюсь: обычно быстро устаю от хаотических нагромождений и огорчаюсь, когда понимаю, что музыканты «не ведают, что творят», как и публика, которая млеет от их беспредела. В случае с “Iron Lung” – все в точности до наоборот. Альбом ничуть не утомляет – бодрит, увлекает и много радует. И хотя это, все же, музыка далеко не для всех, я рекомендовал бы ее не только убежденным последователям аггро-джаза.

Слушать/скачивать на Bandcamp | GORILLA MASK на Facebook

суббота, 11 февраля 2017 г.

Hoverflo "Hoverflo" (2017)

Традиционно много новых прог-рок формаций в Италии. Квартет HOVERFLO из городка Фельтре провинции Беллуно области Венеция – одни из тех, кто дебютировал в этом году.

Hoverflo

Хотя HOVERFLO на свет появились еще в 2011 году, свою первую запись – одноименный 26-минутный EP из 4 композиций – группа представила лишь в середине января этого года.



Massimiliano Cappello (гитары, вокал, синтезатор), Francesco Domenichini (гитары, вокал), Francesco Barioli (бас) и Lorenzo Kleinschmidt (ударные) вдохновляются наследием и актуальными трендами в современной прогрессив-рок/метал, джаз-фьюжн, пост-метал и экспериментал-рок музыки – причем в очень широком стилистическом спектре. Всевозможные влияния пропускают через собственный творческий фильтр и стремятся освоить индивидуальный язык самовыражения.

Hoverflo

Начав EP с отличного инструментального трека “Mentone”, навеянного, очевидно, музыкой King Crimson, Weather Report, Return To Forever и Pat Metheny середины 70-х годов, HOVERFLO на второй композиции “Plane Mane” обращаются к традиции италоязычного арт-прог-рока образца Premiata Forneria Marconi, Le Orme, Banco Del Mutuo Soccorso, Arti E Mestieri и иже с ними, усугубляя эклектизм изложения экстраполяциями в области прог-сладж-метал музыки, в отдельных эпизодах напоминая шведов Pain Of Salvation и Cult Of Luna, американцев Isis и Mastodon… Два прочих трека “River Of Suicide”, несмотря на англоязычное название, и “Pantomima” включают вариативно-эмоциональное пение на итальянском и в принципе подтверждает страсть музыкантов к комбинированию элементов классического итало-прога и современного пост-сладж-прог-метал. При всей читаемости составных элементов музыки, композиции HOVERFLO звучат достаточно оригинально и интересно. Я бы сказал, дебют многообещающий. И в перспективе квартет может вырасти в еще одну заметную формацию итальянской прогрессив-метал сцены.

Слушать/скачивать на Bandcamp | HOVERFLO на Facebook

пятница, 10 февраля 2017 г.

Sister Helen "Sister Helen IV" (2017)

Завершила свою творческую карьеру очень хорошая бруклинская авант-рок группа SISTER HELEN. Такое решение приняли музыканты в связи с отъездом своего фронтмена-вокалиста из Нью-Йорка в Стамбул на преподавательскую работу…

Sister Helen

SISTER HELEN свою историю официально ведут с 2003 года – все участники первого состава в то время были тинэйджерами. Первый альбом под названием “Find The Rat King” у группы вышел в 2010-ом. В 2011-ом коллектив выпустил сингл “4th Trimester/I Will Haunt You”, а в 2012-ом второй полноформат “Hope to Leave No Harm”. Ну а наиболее ярко коллектив, на мой взгляд, прозвучал на своем третьем официальном релизе – 24-минутном EP 2014 года “The Jasmine”. С того времени Nathan J. Campbell (вокал), Chris Krasnow (гитара, вокал), Eva Lawitts (бас, вокал) и Clint Mobley (барабаны), за исключением пары цифровых синглов, ничего не выпускали. Но вот, завершая совместный творческий путь, SISTER HELEN не только отыграли прощальное шоу на знаменитом стадионе «Ши» (в 1964-ом на нем проводился концерт The Beatles) в Нью-Йорке, но и подготовили для поклонников прощальный подарок – полноформатный альбом “Sister Helen IV”.



Музыканты говорят, что их новая работа «о настоящей дружбе, о поисках помощи, о помощи другим… о безнадежности, о собственной беспомощности и о невозможности помочь кому-то…». Всего на 53-минутном альбоме SISTER HELEN собрали 12 песен: две из них публиковались в цифре в прошлом году, а наброски двух других появились еще пять лет назад. Очень личностной, обостренной и какой-то израненной лирики на новом альбоме очень много. Исполняется она, как правило, от первого лица – в эмоциональной, выразительной, образно-драматизированной манере, иногда сопровождается подпевками. Инструментальное сопровождение – энергичное, бурное, техничное, напористое и громкое. Композиционные построения отличаются причудливой замысловатостью форм, которые очень эффектно акцентируют вокальную эквилибристику. Ну а отменное звучание альбома – это заслуга гитариста группы, который традиционно отвечает за весь цикл аудио-продюсирования.

Sister Helen

Среди англоязычных райтеров принято классифицировать музыку SISTER HELEN как «прог-панк-рок», что более справедливо для ранних записей группы, в которых действительно присутствует очень сильный элемент альтернатив-рока, пост-панка и даже пост-гранжа. “Sister Helen IV” – это, пожалуй, самый сложный и насыщенный альбом группы с точки зрения композиционной и общехудожественной архитектоники. SISTER HELEN остались группой «песенной». Но сохранив чувственную лирическую проникновенность музыки, они сумели каким-то невообразимым образом настолько артистично исковеркать традиционную мелодико-песенную структуру, что каждый «песнопесенный» номер в их исполнении звучит уже как экзистенциальная рефлексия абсолютно сюрреалистического характера. Послушайте, например, “Sense of Self”, “Fictive Kin”, “Friend”, “Kaross Music”, “Draw Near”, “Commonplace” – это лучшие, на мой вкус, номера альбома. И, да, таковых «лучших» на альбоме много! В известном смысле я бы даже назвал все их «хитами»… для тех, кто «альтернативность», как следствие осознанного или интуитивного выбора из двух взаимоисключающих предложений, отождествляет с «ревизионизмом» того, что составляло отвергнутое предложение…

Sister Helen

Ну да оставим, пожалуй, философию и вернемся к новой работе SISTER HELEN. Я бы рискнул причислить ее к фонду так называемой «новой волны американского экспериментального прог-рока», которая уж лет эдак пятнадцать как омыла прог-роковую сцену (собственно, со времен появления на ней The Mars Volta, Kayo Dot, The Tea Club, The Mercury Tree, и им подобных) и по сей день растачивает в прог-музыке пути для движения в новых направлениях. Остается лишь констатировать, что «лебединая песня» SISTER HELEN получилась просто сногсшибательной. Браво! Рекомендую альбом всенепременно (как минимум, для расширения кругозора в среде отечественных прого-любов))!

Sister Helen

И как же жаль, что SISTER HELEN больше нет! Впрочем, «никогда не говори никогда»… Ведь никому неведомо, чем обернется разлука давних друзей через годик-другой. Между тем, в отсутствие своего фронтмена-вокалиста другие участники самоликвидировавшегося коллектива не бездействуют: Eva Lawitts возвращается в свою прежнюю группу Fuck Squad, вместе с Chris Krasnow она участвует в группе Caretaker, тогда как ее партнер вместе с Clint Mobley также играет в группе Citris… В Нью-Йорке много молодых интересных групп. Так что, думаю о музыкантах из «Сестры Елены» мы еще услышим.

Sister Helen circa 2013

Слушать/скачивать на Bandcamp | SISTER HELEN на Facebook